«Золотой век» русского театра

всего, что имело великое прошлое…»

Карел Чапек

десятке лет Владимиру Ивановичу Немировичу-Данченко казалось что он живет пятую

или шестую жизнь. Столь насыщенным, богатый событиями, переживаниями, разносторонними творческими результатами был его путь. У каждого человека плотность отпущенного ему срока, энергетические ресурсы и талант строго индивидуальны. Немировичу– Данченко судьба подарила столько сил, что их хватило бы на десять солидных биографий..
Немирович–Данченко – один из крупнейших деятелей театральной культуры ХХ века, выдающийся режиссер, драматург, писатель, педагог, критик, основатель МХАТа. В этот сборник вошли книга воспоминаний «Из прошлого», статьи и эссе о деятельности литературы и искусства – Островском, Чехове, Горьком и др., а так же избранные письма.

зарубежного театра» речь идет об исторических условиях развития театра зарубежных

стран, за два временных периода: первой половины и середины XIX (1789 - 1871) века, а так же конец XIX – начала ХХ веков (1871 - 1917).
Автор очень интересно повествует и о деятельности драматургов, актеров этих эпох, которые внесли свой вклад в развитие театра своих стран, таких как Гюго, Дюма, Дорваль, Байрон. Шелли, Зейдельман, Золя, Роллан, Бернар, Росси, Шоу, Голсуорси. Уайльд и др.

Книга посвящена некоторым из узловых вопросов русской театральной

культуры ХХ века. Сцена и жизнь, проблемы реализма, традиций и новаторства, национальной самобытности, роль классического наследия – таковы главные темы книги. Ее сквозное действие – движение традиций сценического искусства, его духовно – нравственных основ в контексте общехудожественного процесса, в многообразных взаимодействиях режиссуры, актерского творчества, драматургии и критики.
В книге особо выделены главы о жизни и творчестве Станиславского и Немировича–Данченко, поскольку это ключевые фигуры театра ХХ века, деятели мирового масштаба.
В книге подытоживаются основные, веками сформированные особенности и традиции русского национального театра.

В книге речь пойдет о русских кабаре и театрах

миниатюр, об их рождении, бурной жизни и насильственной смерти. Ныне забытые, вернее вытесненные из нашей исторической памяти, они составляли целую область жизни русской культуры в пору ее высшего расцвета.
Цель этой книги – попытаться восстановить утраченное, попробовать – в меру сил – реконструировать историю забытых театров, понять законы их искусства, определить их место в в русской культуре.
В книге три части: первая отведена кабаре, а две другие – театрам миниатюр.

отечественного театра от его истоков до 70-х годов ХIХ столетия

и материалы по истории русского театра от 1880-х годов до 1917 года.
Рассматривая театр как явление национальной культуры, авторы стремились определить его самобытные черты, обусловленные связью с народным творчеством, передовой общественной мыслью, литературой.
В книге обращено внимание на становление национальной драматургии и школы актерского мастерства. Так же прослеживаются связи русского театра с зарубежным искусством.

XIX век в жизни русского театра – «золотой» век, в

течении которого были созданы величайшие произведения классической драматургии, русская актерская школа.
XIX век начался с формирования реалистических принципов драматургии и актерской игры и закончился рождением режиссерского театра, обобщившего опыт достигнутого в течение столетия отечественным сценическим искусством.
В книге прослежены этапы становления реалистического метода на материале творчества драматургов и актеров петербургского и московского драматического театра.

дель арте или комедия масок — вид итальянского народного (площадного) театра,

спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски.
Театр просуществовал с середины XVI до конца XVIII вв., оказав при этом ключевое воздействие на дальнейшее развитие всего западноевропейского драматического театра. Труппы, игравшие комедии масок, были первыми в Европе профессиональными театральными труппами, где закладывались основы актёрского мастерства и где впервые присутствовали элементы режиссуры.
К XIX в. комедия изживает себя, но находит своё продолжение в пантомиме и мелодраме.
Кроме истории создания комедии из этой книги можно узнать и о персонажах (масках) данного театра, о художественных средствах комедии. Эта книга будет интересна не только ценителям театра.

XVI - XVII вв. можно считать эпохой формирования испанского национального

театра, как литературного, так и народного.
В книге рассказывается о создании бродячих трупп благодаря которым развивался театр, и сценическое искусство в целом.
В книге выделен анализ творчества Лопе де Вега по той причине, что в его комедиях – кульминационный момент развития испанского театра, подводящий итог всему предшествующему развитию его и в значительной степени определяющий дальнейшие его пути.
Эта книга не претендует на полное научное освещение испанского театра периода его расцвета. Задачей автора было дать общий очерк развития испанской драматургии и сцены, не останавливаясь на детальном изучении отдельных вопросов.

В книге собраны статьи Павла Александровича Маркова о

театрах разных стран, начиная с 1925 года, когда он, совсем молодой, в первый раз отправился за границу, и до 1966 года, когда он уже стал старейшиной нашей театральной критики и науки о театре.
Статьи автора – это не только разборы увиденных им спектаклей; читатель найдет в них глубокий анализ состояния сценического искусства крупнейших центров театральной культуры – Парижа, Рима, Берлина, но и анализ репертуара, принципов актерской, режиссерской и оформительской культуры в двадцатые и тридцатые годы.
Автор ярко и эмоционально описывает основные тенденции театральной жизни этих городов.

В книге через призму истории выдающихся театров

показана история мирового театра.
Величие театра, как может увидеть читатель книги, может определяться совершенно разными принципами. Под названием «великий театр» может скрываться и знаменитая личность, создающая этот театр, и талантливый сочинитель драматических произведений, и отдельный актер, создавший уникальную театральную труппу, и тысячелетняя традиция, стоящая на страже неизменности типа театрального представления, и, наконец, непосредственно театры, имеющие свой постоянный театральный дом вот уже несколько столетий.
Здесь так же говорится и о истории человеческих душ, ее падений и восхождений; о блестящих человеческих способностях и уникальных талантах.

Кабуки, один из видов классического театра Японии. Его истоки в

народных песнях и танцах, исполнявшихся бродячими актёрами. Родоначальницей Кабуки считают О-Куни, которая с 1603 выступала с женской труппой. Хотя в сценках, которые исполняла О-Куни, основой были любовные песни и танцы, в них уже намечались элементы драматургических композиций. В 1629 женские труппы были запрещены под предлогом нарушения законов о нравственности, и с 1652 в представлениях Кабуки выступают только мужчины. Это породило специфические амплуа актёров — исполнителей женских ролей (оннагата, или ояма).
  Особого расцвета театр Кабуки достиг в конце 17 — начале 18 вв. Был сделан большой шаг вперёд от искусства подражания (мономанэ) к более естественной манере игры. Важное значение приобрели движения и сценическая речь исполнителей, чему способствовало мастерство актёров.
  Кризис феодального строя привёл к жёсткой регламентации всей жизни Японии, что сказалось на характере пьес Кабуки, усилилась условность. Условными были музыкальное сопровождение и декорации, канонические позы (миэ) и каноны игры (ката), парики и специфический грим - кумадори (красный цвет символизирует справедливость, страстность, смелость; синий — хладнокровие, злость, безнравственность и др.). Утвердилась традиция преемственности сценических имён, установились замкнутые актёрские династии с наследованием актёрских амплуа.
  К концу 18 в. центр искусства Кабуки перемещается из Киото в Токио, где наряду с исполнением исторических драм (дзидаймоно) утверждается жанр бытовых пьес из жизни горожан (сэвамоно).
  После буржуазной революции 1867—1868 Япония вступила на путь капиталистического развития, что сказалось на содержании драматургии Кабуки. Появились пьесы, отображавшие новые нравы. Ставятся исторические драмы (кацурэкимоно). В конце 19 в. широкую известность приобретают имена актёров: Итикава Дандзюро IX, Оноэ Кикугоро V и Итикава Садандзи I. Появляются новые пьесы для К., обновляются традиционные сценические приёмы.
  В 1966 в Токио в целях сохранения классического театра Кабуки был открыт государственный театр «Кокурицу гэкидзё».
  Театр Кабуки дважды гастролировал в СССР 1928 и 1961 годах.

Театр Но зародился в 14-м веке и быстро стал "модным"

среди самураев и высшей аристократии сёгуната Токугава. То есть, театр Но изначально был ориентирован на высшее сословие и недоступен для широких масс населения. В наши дни представление театра Но может посетить любой желающий, но всё равно, необходимо ощущение избранности и понимания происходящего на сцене, где малейшие нюансы наполнены глубоким и непонятным случайному зрителю смыслом.   На протяжении веков театр развился в мощную национальную традицию и наполнился эстетической полнотой музейной миниатюры. Простое, но несущее глубокий смысл, убранство сцены подчёркивает глубину чувств масок, обрамлённых во временами красочные, временами простые кимоно. И маски и кимоно передаются из поколения в поколение внутри каждой школы, и не редки маски с трёхсотлетней историей. Под аккомпанемент хора, барабанов и флейт основное действующее лицо или Ситэ повествует истории из жизни смертных и духов, богов и демонов, сражений выигранных и проигранных, убийцах и Буддийских монахах архаичной Японии. Архаичный язык, на котором ведётся повествование, углубляет "великую загадку" масок.   Представление длится обычно часа три с половиной - пять и состоит из нескольких пьес, прерываемых небольшими миниатюрами из жизни простых - Кёгэн, и рафинированными танцами пьес Но - Симаи, призванными подчёркивать возвышенность главного действия.   В основном, представления театра Но даются в специальных театрах. Однако в последнее время представления на открытом воздухе - Такиги - вновь набирает популярность среди японцев.
Маски театра Но. В своём большинстве, маски Но не привязаны к какой-то определённой роли, а широко используются в разных пьесах на разные роли. Маски Но в сочетании с глубоко символичными движениями актёра и монотонной музыкой создают уникальную артистическую атмосферу.    Маски являются неотъемлемым атрибутом драмы. Отличительной чертой масок Но является то, что они действительно передают эмоции. Чувства радости и злобы, юмора и пафоса, выражаются едва заметным изменением наклона при приложении маски к лицу, игрой света на сцене. На первый взгляд маски Но не передают никаких эмоций, однако, на самом деле в них заложен огромный потенциал, раскрываемый актёром на сцене.
На сегодняшний день существует около 200 масок, большинство из которых сделаны из японского кипариса. Некоторые отдельные маски используются только на определённые роли и появляются на свет раз или два в год. Интересно заметить, что различные школы (направления) Но используют разные маски и кимоно на одни и те же роли.
Привлекательность театра Но состоит в том, что маски выражают "чистые" эмоции героев, без примесей и влияний собственных лиц актёров.

музыкальный театр, первый в СССР музыкальный театр. Датой рождения театра

принято считать 21 ноября 1965 года, когда на сцене Театра эстрады состоялось первое представление детского музыкального театра — премьера оперы «Морозко». Инициатор открытия, директор и главный режиссер – народная артистка РСФСР Наталья Ильинична Сац.
Изначально театр не имел собственной сцены, но вскоре он переехал в здание бывшей гостиницы «Славянский базар». В 1979 году театр переехал в собственное новое здание на проспекте Вернадского, спроектированное построенное специально для него. Здание театра увенчано скульптурой Синей птицы, являющейся символом театра. В 1987 году театру присвоено почётное звание академического.
Первый в мире профессиональный театр оперы и балета для детей. Спектакли ставили Э.Краснянский, Н.Сац, В.Рябов, М.Мордвинов, А.Чичинадзе. Театр постоянно гастролирует в США, Италии, Франции, Японии, Израиле, странах СНГ и Балтии. Среди солистов – лауреаты международных и всероссийских конкурсов, народные и заслуженные артисты. При театре открыта детская филармония, в программу которой входят симфонические произведения русских и зарубежных композиторов, современных авторов.

в жизни произносим слова – «кукла», «марионетка». С древнейших времен

в языках многих народов мира существовало сравнение жизни человека с марионеткой, которую дергают за ниточку. Театр кукол издавна волновал человека своими философскими рассуждениями: слишком очевиден был пример – управляющий и управляемый.Человека всегда волновало одно из поразительных свойств театра кукол – чудо оживающего прямо на глазах зрителя мертвого предмета.. Но было замечено, что чудо становится чудом, когда оживающий предмет обретает способность походить на живое существо – человека. Издавна была замечена и способность человека к фантазии, возбуждаемой этим поразительным чудом. Именно поэтому, на смену неподвижным изображениям пришли движущиеся фигуры и фигурки, которые человек наделял особым отношением. Это то и стало началом театра кукол. Его истоками.
В самом деле, человек выделил ожившую фигурку. Это подсказывало ему: она движется – стало быть, она живая, а раз она живая – она способна мыслить, а коли уж она мыслит – значит, она имеет волю и желание.
Театр кукол пережил тысячелетия, десятки исторических укладов
В данных книгах, вы можете найти много полезной информации о происхождении театра кукол и о его особенностях; о знаменитых героях театра кукол; о традициях театра кукол; о том, как в ХХ веке был создан профессиональный театр кукол; о театре кукол в советский период.
А так же найдете много произведений, которые в те или иные годы, были поставлены в кукольных театрах.

чувств, воспоминаний рождают эти слова! Обойдя весь мир, слава Большого

театра сделала его знакомым и близким миллионам любителей оперного и балетного искусства.
Само название «Большой» давно уже стало именем нарицательным. Прошлое и настоящее театра связаны неразрывно. Классическое наследие – как сосредоточение духовных и эстетических ценностей, питает его сегодня, а современные исполнители дают новую жизнь музыкальным творениям прошлого.
Книга, предлагаемая вниманию – это уникальное справочное издание, в котором прослеживаются пути развития оперной труппы Большого театра на протяжении почти двух столетий.
Книга, во многом необычная по замыслу и содержанию, не имеет аналогов в литературе. Основываясь на фактических сведениях, отзывах, воспоминаниях современников, автор приводит интересный документальный материал об операх, впервые поставленных на сцене Большого театра. Возникает перекличка многих поколений мастеров сцены, которая несет в себе дыхание подлинной жизни Большого театра со всеми её подъемами и спадами.

Екатеринбург — один из крупнейших театральных центров России, по количеству

театров Екатеринбург занимает 3-е место в России после Москвы и Санкт-Петербурга.
В настоящее время по официальной информации в городе действует 24 театра, многие из них известны не только в России, но и за рубежом.
Благоприятное влияние на театральную жизнь города оказали эвакуированные в Свердловск в годы войны МХАТ и Центральный театр Советской Армии, а также наличие собственного театрального института.
Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета — один из старейших оперных театров России, первый сезон открыл в 1912 году; в разное время здесь работали выдающиеся мастера ставшие впоследствии знаменитыми певцами Большого театра, такие как Сергей Лемешев, Иван Козловский, Ирина Архипова. Дважды удостаивался государственной премии СССР.
Свердловский государственный академический театр музыкальной комедии — один из самых популярных театров в городе, основанный в 1933 году, в 1986 году получил звание академического. Награждён Орденом трудового красного знамени (1983), 9-кратный обладатель национальной театральной премии «Золотая маска».
Свердловский государственный академический театр драмы — один из крупнейших театров города, основан в 1930 году, в современном здании — с 1990 года. С 1977 года имеет статус академического.
Екатеринбургский муниципальный театр юного зрителя — основан в 1930 году, в настоящее время в репертуаре театра спектакли для всех возрастных групп, коллектив театра успешно гастролирует во многих странах.
Екатеринбургский муниципальный театр кукол — основан в 1932 году, с 1964 года имеет стационарное помещение. Каждые два года в театре проводится международный фестиваль театров кукол[.
Уральский государственный театр эстрады — основан в 1996 году указом губернатора Свердловской области Э. Э. Росселя, является единственным театром подобного направления за пределами Москвы и Санкт-Петербурга.
Камерный театр Объединенного музея писателей Урала — открыт в современном здании в литературном квартале в 1998 году к 275-летию Екатеринбурга. Уникальный по акустическим параметрам зрительный зал на 157 мест выполнен в форме амфитеатра.
Муниципальный театр балета «Щелкунчик» — театр детского балета, с 2008 года располагается в новом здании, построенном на месте бывшего кинотеатра «Мир».
Учебный театр Екатеринбургского государственного театрального института — уникальный учебный театр, расположенный в отдельном здании в центре города, с октября по май представляет спектакли студентов института.
Коляда-театр — частный театр, художественным руководителем и режиссёром которого является известный драматург Николай Коляда.
Театральный центр «Волхонка» — основан в 1986 году, труппа полностью состоит из воспитанников уральской театральной школы.
Малый драматический театр «Театрон» — основан в 1987 году, обладатель гран-при Международного фестиваля «Молодые театры России» в 2002 году.
Театр «Шарманка» — частный театр, руководителем и режиссёром которого является Абашева Лариса.

в библиотеке. Приходите, будем рады видеть Вас!