Художники наблюдают, шутят, негодуют и восхищаются

образе жизни
Презентация преподавателя ДШИ № 10 Аксеновой С.В.

выходящие за рамки обычного, общепринятого. Некоторые из них, изображенные художниками

довольно подробно, заставляют задуматься, сделать выводы. Может быть, кто-то увидит в картине художника самого себя или уловит какое-то сходство в изображенной сценке или герое с собой, со своей жизнью, поймет, насколько неприятна эта сцена, и будет вести себя по-другому?

Один из художников, показавших как влияет на поведение человека пагубная привычка злоупотреблять спиртными напитками, – южнонидерландский (фламандский) художник XVII века Адриан Браувер.
В небольших полотнах Браувер обычно изображал незатейливые сцены в сумрачных убогих кабачках, где крестьяне, бедняки, бродяги пьянствуют, играют в карты и кости, затевают яростные драки. Его герои — задавленные нищетой, опустившиеся, озлобленные люди с тупыми лицами. Необычное искусство Адриана Браувера не было исторической случайностью в живописи Фландрии XVII в. Оно отражало реальные теневые стороны жизни фламандского общества, восходило к национальной нидерландской традиции, к гротескным образам Брейгеля Старшего. То, что утверждало себя в живописи Фландрии эпохи высшего расцвета, находило как бы обратный отклик, резко изменялось, драматически утверждалось в его произведениях. Ликующая полнота жизни превращалась в дерзкую бесшабашность, радостное веселье уступало место горечи и апатии, возвышенная красота оборачивалась уродством. Образы фламандской живописи словно воспаряли над повседневностью, образы Браувера опускались на дно жизни. Столь непохожий на соотечественников художник оставался фламандцем.

Творчество Браувера — редкий пример сочетания гротеска и лиризма, жесткой правды сюжетов и живописной красоты.

настроен весьма снисходительно.
Явно дидактический характер тема пьянства стала носить в

произведениях художников северных школ: сюжет шумного застолья, трактирной потасовки или образ одинокого пьянчужки был особенно популярен в живописи «малых голландцев» XVII столетия. Это была уже не мифология, но сама жизнь - неудивительно, в одном только Харлеме было 518 кабаков. Перепившиеся крестьяне, засидевшиеся гуляки, буйные во хмелю солдаты и захмелевшие горожане - частые персонажи картин Адриана Браувера, Яна Стена, Франса Хальса, Адриана ван Остаде. Впрочем, и здесь отношение к пьянству было неоднородно: от явного порицания у Иеронима Босха («Сад земных наслаждений») до снисходительного наблюдения у Яна Вермеера («Пьяная девушка, спящая за столом»).

к грехам, а потому всегда осуждалась обществом и христианством. Художники

Нидерландов весьма живописно показали, свидетелем каких неприятных сцен им довелось оказаться.

Жанровые сценки Питера Брейгеля Младшего – это не просто отражение жизни современных ему Нидерландов; все они полны глубокого смысла, носят подчас назидательный характер, содержат в себе определенную мораль. Такова и картина «Крестьянская драка». Судя по деталям, перед нами конфликт, разгоревшийся в ходе карточной игры и перешедший в суровое побоище с применением подручных средств в качестве аргументов. А аргументы здесь нешуточные! Например, вилы, которые крестьянка прижала к груди и ни за что не желает отдавать не в меру распалившемуся спорщику, дабы избежать кровопролития, если не убийства. И эта яростная сцена происходит на фоне вполне мирного деревенского праздника.

христианских смертных грехов соответствуют современным представлениям о неправильном нездоровом поведении.

Например, один из грехов – обжорство или чревоугодие.

«Семь смертных грехов и четыре последние вещи» (нидерл. Zeven Hoofdzonden) — картина нидерландского художника Иеронима Босха.
Предположительно эта картина относится к раннему периоду творчества Босха. Уже около трёхсот лет картина висит в Эскориале, где её когда-то в своей спальне повесил испанский король Филипп II. Центральная часть, состоящая из четырёх концентрических кругов, символизирует Всевидящее Око Божье, в зрачке которого воскресший Христос показывает свои раны. Во втором круге видна латинская надпись Cave, cave, d[omi]n[u]s videt — «Бойся, бойся, ибо Господь всё видит». Третий круг изображает лучи, похожие на солнечные, а четвёртый, в секторах, — семь смертных грехов. Под изображением каждого из семи смертных грехов дано его латинское название. В данном сегменте изображено Чревоугодие.
Чревоугодие — тучный мужчина жадно поедает всё, что ставит на стол хозяйка, и не даёт поесть своему не менее тучному сыну. Его сосед жадно опустошает кувшин.

и неустроенности с помощью иллюзий, вызванных алкоголем или наркотиками, -

одна из самых актуальных на рубеже ХIХ-ХХ веков. Пабло Пикассо «Любительница абсента»

Во французском искусстве начала XX в. интерес к «порочным» персонажам был велик, у Пикассо много предшественников, особенно надо отметить влияние Тулуз-Лотрека. Во многих произведениях живописи звучит тема абсента, напитка, ставшего своего рода фетишем Парижа рубежа веков. Этой крепкой полынной настойке, «зеленой фее», приписывались особые качества: якобы приохотившиеся к ней люди страдают не от простого алкоголизма, а от особой «возвышенной» его формы, и погружаются в мир галлюцинаций и фантазий.

и вовсе все перепились и вышли на крестный ход в

сумерки после празднования Воскрешения Христова. Все герои полотна, вероятно, не совсем трезвые. Захмелевший священник с раскрасневшимся лицом едва стоит, опустил глаза вниз. Его накидка небрежно заброшена поверх одежды, и он пытается нетвердым шагом спуститься по ступеням деревянной русской избы. На первом плане крестьянка в ярком платке, которая тянет слова молитвы. Рядом с ней старичок, в руках он держит перевёрнутую икону. Вся эта хмельная процессия держит путь в церковь.

Картина была написана во время реформ и преобразований, в год отмены крепостного права. Художник стремился показать пороки современного российского общества, где были переплетены религиозные догмы с повседневным бытом, совершенно не одухотворенным и прозаичным, но не в насмешку над религией, не глумясь над верой, а лишь показать «мертвую» веру современного духовенства и народа. Общество требовало от власти убрать «позорную» картину из музея, и только благодаря Павлу Третьякову она осталась на месте.

«Геркулес сегодняшнего дня». Так назвал свою картину талантливый художник-реалист Василий

Шульженко. Родился в 1949 г. Стиль художника - фигуративная живопись в жанре свободной фантазии. Пускай даже с некоторой гиперболизацией. Ужасает образ обезумевшего пьяницы с широко раскрытыми, выпученными «залитыми» глазами, сверкающие белки, искажённое гневом и презрением ко всему сущему лицо с раскрытым в диком истошном крике ртом, с испорченными и неухоженными зубами со зловонным запахом изо рта. Растопыренные огромные руки, босые грязные ножищи, шагающие через всё и всех, грозящие затоптать любого встречного…

взглядов художника как отражение перемен в жизни страны. Гелий Коржев

- это художник, который написал в свое время триптих "Коммунисты" (знаменитое полотно "Поднимающий знамя" и др.), а теперь представил совершенно новую для себя, далеко не оптимистическую картину: - "Адам Алексеевич и Ева Петровна". 1997-1998 гг.
Мрачная картина. В отличие от гротескных уродов-алкашей у Шульженко, на которых его персонажи все-таки немного карикатурные, подчас смешные, у Г. Коржева - чистой воды реализм, ибо люди утратили человеческий облик и сами это понимают, переживают и думают – «до чего же мы докатились?».

миролюбием. Тепло домашнего очага, регулярный спокойный труд, благочестие – основы

здорового образа жизни по мнению голландцев XVII века.

Достоинство картины Питера ван Норта"За шитьем", не в занимательности сюжета, а в правдивом изображении повседневной мирной жизни. Простая по видимости композиция отличается гармонией и мастерством живописного исполнения. Каждая деталь скромной обстановки рассказывает о быте и жизненном укладе голландского бюргера XVII века. У раскрытого окна сидит женщина, занимающаяся шитьем. Это занятие считалось традиционно женским, являлось показателем хозяйственности и благочестия.

Непременным атрибутом "комнатой живописи" была Библия, также свидетельствующая о набожности и благочестии хозяев дома. С большим вниманием изображены предметы для рукоделия - корзина с бельем, катушка с нитками, ножницы. Оловянная посуда - кувшин на столе и декоративные тарелки на стенах - напоминают о том, что изготовление предметов из олова было традиционно голландским ремеслом. Комнату от кухни отделяет узкий выступ стены, на котором висит медная грелка для постели. Голландия - северная страна, зимы холодные и длинные, дрова стоят дорого, и перед сном в постель клали медную грелку с горячими углями. В кухне, на полу около печки, разложены железные крюки для вяления мяса.

различных форм в своей «Девочке на шаре». В этом можно

увидеть и его восхищение красотой человеческих тел, преклонение перед здоровыми, чистыми, не искаженными страданием и уродливыми страстями формами. Радость движения и физической активности – полная противоположность «Любительнице абсента».

Цирковые артисты отдыхают в перерыве между бесконечными представлениями. Тонкая, как сама линия, гимнастка балансирует на шаре, повторяя номер, силач спокойно восседает на кубе. Обычная сцена из цирковой жизни.
Контраст тел усиливается и разницей основ: шар — крайне неустойчивая фигура с единственной точкой опоры, куб же соприкасается всем основанием с плоскостью пола, что делает его максимально устойчивым. «Розовый» период связан у Пикассо с общением с артистами цирка. Переехав в Париж в 1904 году, он был влюблен в этот город, в его шум и суету, в фонтанирующее разнообразие идей и событий. Несколько раз в неделю он наведывался в цирк Медрано, перезнакомился с артистами и решил написать большое полотно «Семья акробатов». В процессе работы он далеко ушел от первоначальной задумки.

труд. Это прекрасно показано на картине Г.Г. Мясоедова «Косцы»


Крестьяне сливаются

с природой. Если присмотреться, можно заметить на голове одного из них венок, сплетенный из свежескошенных колосьев. Он будто коронован этим венком, становясь именно в этот момент и именно в этом месте королем, главным персонажем, самым опытным косцом, ведущим за собой остальных, показывающим, что и как нужно делать.
В левом нижнем уголке картины мы можем наблюдать сноп ржи с лежащими на нем граблями, неподалеку располагается тарелка с хлебом. Эти атрибуты как бы символизируют труд и отдых.
Крестьянский деревенский быт предстает во всей красе: трудятся здесь все от мала до велика, и усатый дед, и кудрявый юноша, и девушки в платочках.

стремление к гармонии физической формы и внутреннего содержания. Воспитание, создание

гармоничного светлого человека.

«Утро» - это одна из самых известных картин Татьяны Яблонской. Она привлекает особым радостным и свежим настроением, всепоглощающим потоком солнечного света из окна. Картина часто печаталась в школьных учебниках и детских книжках, поэтому врезалась в память представителей тех поколений, которые росли и взрослели при Советской Власти.

На полотне изображена достаточно большая, небогато обставленная киевская квартира художницы. Главный персонаж картины – старшая дочь Яблонской, Елена. В ту пору девочке было 13 лет, она занималась балетом и гимнастикой, поэтому каждое утро выполняла разминку. С этим полотном связана уникальная история, вернее, она коснулась персонажа, на ней изображенного. В Казахстане мальчик влюбился в девочку на репродукции картины. Через много лет они встретились, полюбили друг друга, поженились и прожили долгую и счастливую жизнь вместе. Так что ощущение счастья, исходившее от полотна, было пророческим.