Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования Художественная

Художественная школа имени И. Е. Репина г. о. Тольятти

Тема проекта:

Русское искусство первой половины XIX века. Живопись. Отличительные черты направлений: классицизма и романтизма.
Выполнила: Гвоздева Ксения
ученица 5 «А» класса
МБУ ДО ХШ имени Репина


Тольятти 2020 г.

стиль в искусстве, являющийся интерпретацией европейского неоклассицизма на российской почве.

Он начал развиваться со второй половины XVIII века и занял прочное место в национальной культуре. Его хронологические рамки довольно продолжительны: этот стиль сохранял актуальность и в первой половине XIX века.

России были характерны те же черты, что и для европейской

школы:
1. Строгость и чёткость форм.
2. Незыблемый авторитет античности.
3. Воспевание высоких идеалов.
4. Тяготение к торжественности (порой даже к пафосу), но без барочной вычурности.
5. Предпочтение исторических и мифологических сюжетов, которые могут научить зрителя различным добродетелям.

было поставлено на службу державе и было призвано развивать отечественную

культуру в самом широком смысле слова.  Идеологи Просвещения утверждали, что «художества» способствуют смягчению нравов и «природной суровости», а заодно истребляют «праздность и леность». Живописцы-классицисты, согласно этой идеологии, не просто творили прекрасное, а ставили свой талант на службу Отечеству, брали на себя миссию цивилизаторов и просветителей. Стиль недаром называют просветительным классицизмом.

Кипренский. «Дмитрий Донской на Куликовом поле».

легко сочетался с другими стилями. Сначала художники-классицисты испытывали влияние рококо,

затем — сентиментализма, после — романтизма. Благодаря такому подходу классицизм почти целый век сохранял свежесть и актуальность. Это ограждало его от вырождения. Впрочем, влияние других стилистических направлений заметно различалось в разных живописных жанрах. Наиболее сильны «чистые», строго-классицистические традиции были в историческом жанре. Это было связано с существованием госзаказа на такие произведения, что определяло официальный подход живописцев к изображению историко-патриотических и батальных сцен.

романтизм
Романтизм в России отличался от западноевропейского в угоду иной исторической

обстановке и иной культурной традиции. Причиной его появления стала Отечественная война 1812 г., в которой проявилась вся сила народной инициативы. Но после войны народ не получил воли. Лучшие из дворянства, не довольные действительностью, вышли на Сенатскую площадь в декабре 1825 г. Этот поступок тоже не прошел бесследно для творческой интеллигенции. Бурные послевоенные годы стали обстановкой, в которой формировался русский романтизм.

страстно и темпераментно взывали к проявлению гуманизма. Актуальностью и психологизмом,

небывалой экспрессией отличаются бытовые полотна русских живописцев. Одухотворенные, меланхоличные пейзажи - опять та же попытка романтиков проникнуть в мир человека, показать, как живется и мечтается человеку в подлунном мире. Русская романтическая живопись отличалась от зарубежной. Это определялось и исторической обстановкой и традицией.

идеология ослабла, но не потерпела крах, как в Европе. Поэтому

романтизм не был ярко выражен. 2. Романтизм развивался параллельно с классицизмом, нередко переплетаясь с ним. 3. Академическая живопись в России еще не исчерпала себя. 4. Романтизм в России не был устойчивым явлением, романтиков тянуло к академизму. К середине XIX в. романтическая традиция почти угасла.

он воплотил эстетику романтизма, характерную для первой половины XIX века.

Художник нарисовал портрет Давыдова в 1809 году, когда войны с Наполеоном только начинались. Эта картина – отражение господствовавшего в то время поэтического культа храброго и сильного героя, готового душу отдать за Родину. Портрет ассоциируется с Денисом Давыдовым по причине его известности, хотя из подписи следует, что это Ев. В. Давыдов, менее известный брат поэта.

в чине полковника. Он нарисован в полный рост, его поза

небрежна и несколько картинна. Его костюм — красный лейб-гусарский мундир, белые рейтузы и низкие сапоги. Кивер снят с головы и лежит слева от гусара, а сабля используется вместо опоры.
Краски, которыми выписан его костюм, мрачный предгрозовой пейзаж, на фоне которого стоит гусар, только усиливают впечатление от персонажа картины – это храбрый воин, человек долга и романтический мечтатель. Лицо гусара мужественное и одухотворенное. В отличие от военных портретов других живописцев, Кипренский не сосредотачивается на бранной удали персонажа, а уделяет основное внимание раскрытию его личности.

Именно этот образ поэта и писателя, знакомый нам по многим

книжным иллюстрациям, остался в нашей памяти с самого детства.
Орест Кипренский считался лучшим портретистом своего времени. Портреты он писал с натуры, причем, его работы всегда отличались тщательным воспроизведением всех деталей, а кроме того, он с необычайным мастерством умел передать душевное состояние героя. Поэтому мы можем уверенно сказать, что Пушкин на картине представлен точно и правдиво.

подкладка плаща в красно-зелёную клетку нарушает этот сдержанный благородный фон.

Светлый фон вокруг головы поэта нам кажется похожим на нимб мученика.
Глаза поэта ясные и чистые, взгляд выразительный, несколько грустный и устремленный вдаль. Кажется, что он уже предвидит грядущие трагические события.
Поэт находится в творческом поиске, в раздумьях над каким-то новым произведением, он сосредоточен, его губы сомкнуты, он весь в своем мире вдохновения. Кипренскому удалось достичь гармонии в изображении поэта, удачно отобразив характер героя и его романтический образ.

Венецианов. «Гумно».

живописи. Темой его творчества было созвучие мира природы и крестьянского

быта, опоэтизированного и облагороженного. Гумно любовно изображено художником. Мизансцены, выстроенные живописцем на полотне, представляют зрителю виды ежедневного крестьянского труда, но в них нет и намека на тяжесть и рутинность жизни в деревне. Действия, запечатленные художником не столь динамичными, носят будто внесюжетный, созерцательный характер, тем самым возвышая тему труда до ее эпического прочтения . Каждый житель деревни вносит свою маленькую лепту в благо возделывания общей земли и сбора урожая. Тема земледелия и плодородия в творчестве Венецианова приобретает сакральное звучание.

духа. Но немногие знают, что задумана она была как «ответ»

французскому живописцу Франсуа Мариусу Гране. Дело в том, что Венецианов, сделавший краеугольным камнем своей системы воздушную перспективу, интенсивно изучал также перспективу линейную. Он был совершенно очарован тем, как исполнена перспектива в картине Гране «Внутренний вид хоров в церкви Капуцинского монастыря на площади Барберини в Риме» и провёл много часов в Эрмитаже за её созерцанием. Так итальянский вид французского художника инспирировал появление русского шедевра.

А. Г. Венецианова и является одним из его лучших произведений.

Статная крестьянка в сарафане босиком величаво шагает по пашне и ведет за собой двух лошадей, тянущих борону. Низкая линия горизонта, редкие кусты и небольшие камни на поле придают женской фигуре монументальность.    Подробно и реалистично написан пейзаж: прозрачное светло-голубое небо, осязаемо влажная темная земля и открытые просторы бескрайнего поля. Гармоничное соединение правды жизни и романтичного вымысла создает основу всего произведения.

в красивой женщине. Именно такой прекрасной, легкой, нарядной, молодой представилась

ему весна, легко ступающая по земле, обновляющая мир, успокаивающая детей, ведущая за собой природу. Вдали есть еще две такие же работающие группы, что утраивает образ, говорит о том, что весна наступает повсеместно.
Особую любовь художник вложил в написание пейзажа. В истории русской живописи это первый пейзаж русской природы, до этого живописцы изображали только заграничные виды, русская земля считалась недостойной кисти и красок. Венецианов первый открыл ее неповторимую красоту.

реальное событие прошлого на точной документальной основе. Во время пребывания в Италии

художнику довелось побывать на археологических раскопках, открывших миру древние города Помпеи и Геркуланум, погребенные при извержении Везувия 24 августа 79 года. Созданию картины предшествовало пристальное изучение исторических источников (в том числе писем очевидца, историка Плиния Младшего) и памятников древности. Прославившее художника полотно изображает не только трагедию народа, гибнущего в столкновении со стихией, но и смену исторических эпох – зарождение на обломках старого языческого мира новой христианской цивилизации. Трагедия пробуждает в героях самые разные чувства – отчаяние и страх, любовь и стремление защитить близких.

Так, его исторический сюжет посвящен не одному герою, а трагедии целого народа.

А в качестве сюжета он выбрал не идеализированный образ или идею, а реальный исторический факт.
Правда, композицию картины Брюллов строит в традициях классицизма — как цикл отдельных эпизодов, заключенных в треугольник.
В левой части картины на втором плане изображены несколько человек на ступеньках большого здания гробницы Скавра. Прямо на зрителя смотрит женщина, в глазах которой читается ужас. А за ней — художник с ящиком красок на голове: это автопортрет Брюллова, переживающего трагедию вместе со своими персонажами.

с приемной дочерью Амацилией Пачини».

первый и второй планы, образуют подобие сцены, где в полном

великолепии раскрывается яркая и артистичная натура графини Юлии Самойловой, рядом с ней ее воспитанница – итальянская девочка Амацилия Пачини. На заднем плане можно разглядеть и средневекового шута, и Гермеса с кадуцеем, увитым змеями и бородатого вельможу в турецком одеянии. Графиня изображена удаляющейся с бала-маскарада. Известно, что Карл Брюллов намеревался создать аллегорический «маскарад жизни». Такая тема объясняет и фантастические костюмы и яркий, огненный колорит картины. Отношение художника к Самойловой граничило с благоговением: он неоднократно писал портреты графини, её черты можно узнать в облике героинь грандиозного полотна мастера — «Последний день Помпеи».
Портрет был написан, по всей видимости, в Петербурге в 1839–1840, когда Самойлова прибыла в Россию по семейным обстоятельствам. Картина не окончена.

«Девятый вал».

на котором находился Айвазовский, попал в сильный шторм в Бискайском заливе. Европейские газеты

даже писали о гибели русского художника, но всё обошлось. Возможно, тогда живописец и увидел настоящий девятый вал.
Свой живописный «Девятый вал» художник создал в уже 1850 году в Феодосии, у себя в мастерской. Мастер писал все свои произведения по памяти, а на природе лишь делал небольшие наброски. Он считал невозможным писать природные явления с натуры, из-за того что они постоянно меняются: «Движения живых стихий неуловимы для кисти».

всего за 11 дней. Он вообще работал необычайно быстро и много: за всю свою

жизнь он создал больше шести тысяч картин. Достоевский сравнивал мариниста с писателем Александром Дюма-старшим, известным своей производительностью.
Драматичный сюжет картины характерен для романтизма. Корабль разбился в шторм, остался только обломок мачты, на котором пытаются выжить шестеро моряков. Буря все еще продолжается: на несчастных поднимается самая опасная волна. Но уже наступило утро, выходит солнце, и его яркий тёплый свет даёт надежду на спасение.

его отправили в Италию, чтобы совершенствовать свои навыки. В Риме живописец копировал

произведения Микеланджело в Сикстинской капелле, писал наброски на библейские сюжеты. Также он изучал Новый Завет.
Тогда и возник замысел масштабного полотна о первом появлении Иисуса Христа перед народом. Живописец выбрал эпизод из первой главы Евангелия от Иоанна. Иоанн Предтеча крестил людей в реке Иордан и, увидев приближающегося мессию, указал на него. Иванов называл этот сюжет «всемирным» — он считал момент судьбоносным для всего человечества.

людей разных возрастов, сословий, верований. За Иоанном Крестителем — будущие ученики Христа:

молодой Иоанн Богослов, за ним Пётр, Андрей Первозванный и Нафанаил, которого называли «сомневающимся». Справа на возвышении — «грешники»: фарисейские иудеи-книжники, римские всадники.  На переднем плане — пёстрая толпа людей, испытывающих самые разные переживания по поводу происходящего: надежду, радость, любопытство, недоумение. Человек в богатых одеждах отшатнулся от пророка почти с отвращением, а раб с верёвкой на шее счастливо улыбается сквозь слёзы, так как получил надежду на избавление. Как писал Иванов, «сквозь привычное страдание впервые появилась отрада».

«Свежий кавалер».

халат смахивает на римскую тогу, а папильотки в волосах –

на лавровый венок. Античные отсылки и цезарева величественность позы курьёзны и жалки в тесноте и впечатляющей грязи обстановки. Наш герой недавно проснулся. И очевидно, его ночь была непростой. Кувшины, валяющиеся бутылки, объедки и рыбьи хвосты на полу недвусмысленно указывают на недавнюю попойку. Гитара намекает: было весело. Кухарка протягивает сапоги – оделись бы вы, дескать, барин. Помятый барин вместо этого тычет пальцем в свежего «Кавалера» – полученный накануне орден, основательный повод напиться.

Федотова язвителен – но и только. Мы видим, что каморка

нашего чиновника тесна, обставлена разнокалиберной мебелью и в целом довольно убога, а сапоги и халат дырявы. Взяточник как-то мелковат для подобных масштабных инвектив
Некоторые сторонники критического реализма в антикрепостническом запале пытались доказать, что герой Федотова негодяй. Он-де унижает слабого – свою кухарку (считается, что в картине есть и намёк на их сексуальную связь, житейское для своей эпохи дело). Однако симпатичная крепостная девка на картине – явно в более выигрышной позиции. Её красноречивый взгляд выражает смесь презрения и снисхождения к непутёвому барину, помпезная поза которого не демонстрирует превосходства, а всего лишь указывает на его профессиональную деформацию: где ж сыскать в России чиновника, который не страдал бы от маниакального тщеславия? Всё это подаётся скорее с мягким юмором, чем с уничижительным сарказмом.

майора».

ввел в бытовой жанр драматизм и сюжетную остроту. В своих

произведениях художнику удавалось сочетать изобличение социально-нравственных пороков жизни общества с тонким психологизмом и поэтическим восприятием реальности. На картине «Сватовство майора» действие разыгрывается перед зрителем как завязка комедии. Дом купца-толстосума. Скромная обстановка гостиной даже не намекает на истинные размеры богатства хозяина. «Капитал - дело скрытое» - золотое правило купечества.

вошедшая в комнату, сообщила хозяевам о том, что претендент на

руку девицы прибыл. Он явился при полном параде, желая произвести на будущих родственников «нужное» впечатление.    Приход бравого майора привел в волнение обитателей дома. Каждый человек, находящийся в комнате, по-своему откликается на слова свахи: молодая кокетка стремится ускользнуть из комнаты, демонстрируя напускную скромность, однако мать успевает схватить ее за платье; на них внимательно смотрит кухарка, ставя на стол закуски, за ее спиной шушукаются двое домочадцев; отец семейства спешит выйти навстречу к гостю. И только кошка на первом плане остается безучастной к происходящему.

- контраста движений (скрытых и явных). Другими словами, на холсте

схвачено краткое мгновение из калейдоскопа быстро меняющихся событий, но зритель будто знает, что именно произойдет в следующий момент. В таком композиционном построении есть некоторая доля театральности, посредством которой художник подчеркивает фальшь и ложный блеск происходящего.

за внимание !