Позднее Возрождение

(особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в

нём раннюю фазу барокко. Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм» как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития — от античности до современности.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франциии других европейских странах.

позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу

маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.

можно считать повышенный спиритуализм (нередко сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом или, напротив,

подчёркнуто противопоставленный ему),
взвинченность и изломанность линий (в частности, использование так называемой «змеевидной» линии),
удлинённость или даже деформированность фигур,
напряжённость поз (контрапост),
необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой,
использование едкой цветовой палитры,
перегруженность композиции и т. д.

этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы — Тинторетто и Тициана.
За пределами Италии

маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века и Эль Греко в Испании.
Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II ( Ханс фон Аахен и др.).

элемента». Вверху слева — «Воздух», внизу слева — «Лето», вверху

справа — «Весна», внизу справа «Огонь». Эти картины экспонируются в разных европейских музеях
Джузеппе Арчимбольдо

буквами, Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, иногда добавляя слово Κρής («с Крита»).
Эль Греко родился на Крите, в

то время находившемся под властью Венецианской республики. В юности изучал иконопись, в возрасте 26 лет отправился в Венецию, как и многие греческие художники. В 1570 году переехал в Рим, где открыл мастерскую и выполнил серию работ. Во время пребывания в Италии Эль Греко обогатил свой стиль элементами маньеризма и Итальянского Ренессанса. В 1577 году уехал в Толедо, где жил и работал до самой смерти. В Толедо Эль Греко выполнил несколько крупных заказов и написал свои наиболее известные работы.
Драматичный и экспрессионистский стиль Эль Греко приводил в смущение современников, однако получил признание в XX столетии. Эль Греко считается предтечей экспрессионизма и кубизма, а его личность и творчество послужили источником вдохновения поэтов и писателей, таких Райнер Мария Рильке и Никос Казандзакис. Современными учеными Эль Греко характеризуется как художник настолько индивидуальный, что не принадлежит ни к одной традиционной школе. Известен своей фантасмагоричной палитрой красок и удлинёнными фигурами на картинах, объединяющими византийские традиции и западную школу живописи.

Богородицы», написанная незадолго до его отъезда в 1567 году, выполненная

темперой и позолотой на дереве, она объединяет пост-византийские и итальянские маньеристские стилистические и иконографические элементы, а также включает в себя стилистические элементы критской школы.

Богородицы, Эрмуполис, Сирос) написана в конце критского периода художника. Объединяет поствизантийские и

маньеристские стилистические и иконографические элементы.

(прибл. 1570, холст, масло, 58 × 86 см, Музей Каподимонте, Неаполь). Этот портрет

Кловио, друга и покровителя Эль Греко, является одним из первых свидетельств одаренности Эль Греко как портретиста.

Толедо), ныне одна из самых известных работ Эль Греко, изображает

популярную местную легенду. Исключительно большое полотно, чётко делится на две зоны, земную и небесную, объединённые композиционно.

см, Толедский собор) одна из наиболее известных алтарных картин Эль Греко.

над субъективным характером творения. Эль Греко отбросил критерии классицизма, такие

как меры и пропорции. Он считал, что благодать является высшим предметом поиска искусства, но художник достигает благодати только тогда, когда ему удается решать самые сложные проблемы с очевидной легкостью.
«Полагаю передачу цвета главнейшей трудностью искусства.»
— Эль Греко, из собственных записок.
Эль Греко считал цвет важнейшим и наиболее неуправляемым элементом живописи и заявлял о первенстве цвета перед формой. Франсиско Пачеко, художник и теоретик искусства, посетивший Эль Греко в 1611 году осудил эту идею, а также его манеру письма широким мазком.

и считают их источником неоплатонизм Ренессанса: «в Испании Эль Греко

мог создать свой собственный стиль — отрицающий большинство описательных стремлений живописи».
В своих поздних работах Эль Греко демонстрировал характерную тенденцию драматизировать, а не описывать. Согласно Пачеко, беспокойность, неистовость и иногда кажущаяся небрежность манеры Эль Греко были связаны с обдуманными усилиями достичь свободы стиля.
Приверженность Эль Греко к исключительно длинным и тонким фигурам, а также к удлиненным композициям, служившая и его целям выражения и эстетическим принципам, привела его к отбрасыванию законов природы и ещё большему удлинению композиций, особенно когда они были предназначены для украшения алтаря. Анатомия человеческих тел в поздних работах Эль Греко стала более потусторонней, работая над «Непорочным зачатием Девы Марии», Эль Греко попросил удлинить место под картину на 46 см, «чтобы форма была совершенной и избежала урезания, худшей вещи, могущей случиться с фигурой».
Существенным новшеством поздних работ Эль Греко стало переплетение формы и пространства, развитые взаимоотношения между двумя составляющими живописной поверхности. Это переплетение возродилось три столетия спустя в работах Сезанна и Пикассо.

отмечает Джонатан Браун, «кажется, что каждая фигура содержит собственный свет

внутри либо отражает свет от незримого источника». Фернандо Мариас и Агустин Бустаманте Гарсиа, учёные, расшифровывавшие рукописные заметки Эль Греко, связывают силу, придаваемую свету художником, с идеями, лежащими в основе христианского неоплатонизма].
Современные научные исследования выделяют важность Толедо для полного развития зрелого стиля Эль Греко и подчеркивают способность живописца приспосабливать свой стиль к окружению. Гарольд Уэтей отмечает, что «несмотря на греческое происхождение и художественную подготовку в Италии, художник настолько погрузился в религиозную среду Испании, что стал виднейшим представителем испанского мистицизма». Он считает, что поздние работы Эль Греко «отражают дух римско-католической Испании в период Контрреформации».

черты лица натурщика, но и передать его характер.
Его портреты

не так многочисленны, как религиозные картины, но не уступают им по уровню. Уэтей замечает, что «с помощью простых средств художник создал запоминающиеся образы, что помещает его на высочайшее место среди портретистов, вместе с Тицианом и Рембрандтом».

двух сохранившихся пейзажей Толедо работы Эль Греко.

совесть, на другой — империя, и перевесил ты — совесть

человеческая. На Страшном Суде эта совесть может предстать перед богом, но не для того, чтобы быть судимой, а для того чтобы судить, ибо человеческое достоинство, чистота и мужество вселяют страх даже Богу.
Никос Казандзакис, «Отчет перед Эль Греко»

часть работ для церкви Санто-Доминго-эль-Антигуо.

архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений,

элементов гротеска.
К наиболее значительным достижениям архитектуры маньеризма относятся Палаццо дель Те в Мантуе (работа Джулио Романо) и Библиотека Лауренциана во Флоренции, спроектированная Микеланджело.
В маньеристском духе выдержана фланкирующая здание Галереи Уффици во Флоренции лоджия Джорджо Вазари.

декоре, но мирился с неудачами в монументальной архитектуре. Он неудачно

перестроил несколько зданий, не сумев сохранить единство архитектурного образа. Построенные Вазари новые здания отличаются своеобразной красотой и оригинальностью. Здание для папы Юлия III в Риме и здание Уффици во Флоренции, начатое Вазари, свидетельствуют в пользу его архитектурного таланта. Ему же принадлежит комплекс зданий, составляющих Дворец рыцарей св. Стефана в Пизе и многое другое.

знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», который был окончен в 1550 году.

Вторым дополненным изданием с приложением портретов знаменитых художников книга вышла в 1568 году. Без ценных сведений, содержащихся в «Жизнеописании…», в истории итальянского искусства был бы большой пробел.

К своему монументальному сочинению о современных ему деятелях искусства, которое Вазари посоветовали написать, он отнёсся очень добросовестно. Когда часть рукописи была готова, он передал её Аннибале Каро, который помог ему своими замечаниями и посоветовал довести работу до конца.
Позднее монах Маттео Фаэтани, обладавший литературным образованием, по поручению Вазари сделал существенные поправки в ней. Поэтому книга была окончена только в 1550 году. Но и тогда Вазари не был доволен ею и продолжал собирать дополнительные сведения из жизни и творчества художников-современников. Только через 18 лет после первого издания его сочинение приняло окончательный вид, в котором и дошло до нашего времени. Это второе издание украшено портретами художников.

на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и

элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.

писатель. Свое творчество он описал в известной автобиографии. В настоящее

время искусствоведы считают его одним из знаковых скульпторов эпохи Возрождения, а статуя «Персей с головой Медузы» заняла достойное место среди великих шедевров флорентийского искусства 16-го века. Челлини также написал ряд технических книг на тему изобразительного искусства и скульптуры.

в качестве ювелира;
1540–1545 — работа под покровительством короля Франциска I,

в Фонтенбло;
Остаток жизни мастер посвящает созданию крупномасштабных скульптур.
Бенвенуто был вторым ребенком в семье мастера Джованни Челлини, создававшего различные музыкальные инструменты. В юном возрасте вопреки надеждам отца он занялся ювелирным делом. После ряда переездов в возрасте 19 лет молодой мастер, уже привлекающий внимание своими способностями, попадает в Рим.

он практиковал свое ремесло. Известно, что Челлини в тот период создает

ряд ценных произведений, в том числе серебряный ларец, декоративные подсвечники, вазу для епископа Саламанки.
Последняя работа привлекает внимание папы Климента VII. С 1529 по 1537 Бенвенуто становится участником ряда происшествий и драк, однако папское вмешательство помогает избежать наказания. К сожалению, ни одно из произведений Челлини того времени не дошло до наших дней. В то же время Челлини создает ряд медальонов, среди которых стоит отметить следующие: «Леда и Лебедь», «Геракл и лев», различные штампы и папскую чеканку.

при дворе Франциска I в Париже. Именно там мастер создает

свою знаменитую солонку Сальера (1540–1543, Художественно-исторический музей, Вена), сделанную из золота, украшенную эмалью и эбеновым деревом. Сложный характер и взрывной темперамент художника вновь становятся причиной появления у него многочисленных врагов, и спустя несколько лет он вынужден покинуть Францию и отправиться во Флоренцию.

он занимается и созданием крупномасштабных скульптур, став конкурентом известного мастера Баччо

Бандинелли (1493–1560). Прекрасным примером флорентийского маньеризма является бронзовая статуя «Персей с головой Медузы», выполненная для Козимо I.
Это творение помогло Челлини добиться всеобщего признания по всей Италии. Другими запоминающимися произведениями того времени являются бюсты Козимо I и Биндо Альтовити, а также некоторые другие мраморные скульптуры.

совершенные убийства, побеги из тюрем, драки и многочисленных врагов, Челлини

провел достаточно длинную жизнь.

спустя, в 1557, мастер был приговорен к четырем годам лишения свободы

за драку. В тюрьме Бенвенуто пишет книги и продолжает работу над автобиографией. В возрасте 70 лет неженатый мастер, имевший, однако, множество детей, умер и был с почестями похоронен во Флоренции