Итальянский театр эпохи Возрождения

Поэтому
il comico значит не комик, а актер
la comica значит

не комедийная актриса, а актриса вообще
саро comico - главный актер, т. е. директор театра.}.

{Commedia значит по-итальянски не только "комедия" в нашем смысле этого слова, но и театр вообще, обнимающий все виды драматургии и сцену.

поэтами, гуманистами как подражание правильной римской комедии.
Основная сюжетная линия —

борьба юноши со строгими родителями девушки и проделки находчивых слуг.

Университетские ученые драматурги стремились к выполнению заветов Аристотеля — четкому делению на жанры.
Их раздражала путаница жанров в средневековых пьесах.
Из античных драматургов они знали римского комедиографа Плавта и трагика Сенеку, и поэтому их трагедии грешили демонстрацией ужасов, а комедии — фривольностью.

О духовных отношениях (как и в римской комедии) здесь нет

и речи. Но обязателен элемент игры: переодевание, розыгрыш, шутка, шутовство, проделки.
• При постановке ученой комедии вместо прологов и фарсов использовались в качестве вставных номеров пасторальные песни, которые исполняли нимфы и пастушки.
Ученые комедии ставились регулярно
с 1510-х годов, трагедии — с 1540-х.

учеников - “Римская академия”, - бывший центром римского гуманизма.Члены Академии

осуществляли постановки пьес латинских авторов, в первую очередь комедий Теренция и Плавта, на языке оригинала. Прозведения этих авторов ставились в последней четверти XV века во многих городах Иаталии, в Ферраре - даже в итальянских переводах.

Но инициатором подобного обращения к древнеримской комедии была, скорее всего, Римская академия. Именно у Помпонио Лето впервые возникла идея о переносе античных пьес на современную сцену. Эта идея явилась следствием их филологического изучения. Именно в Римской академии постановки античных авторов носили программный, а не эпизодический характер.

как он; и к прочим памятникам античного мира он всегда

свидетельствовал свое уважение тем, что вставал, словно в каком-то восторге, или разражался слезами… Лето устраивал в Риме постановки античных пьес, в основном Плавта, которыми лично руководил. Кроме того, в день основания города он ежегодно устраивал праздник, на котором его ученики и друзья произносили речи и читали стихи. Из этих спектаклей и праздников возникла так называемая Римская академия…

Случалось, что гости разыгрывали фарсы в духе ателланы (народный импровизированный театр в Древнем Риме с постоянными типами-масками)»

Я.Букхардт

театру. Возродить античную драматургию было гораздо легче, чем воссоздать античный

театр и тем более создать на его основе нечто новое - на это потребовалось не одно десятилетие.

принадлежащей средневековью. Проходили они в неприспособленных для этого помещениях: в

конце XV веке о здании театра еще не может быть и речи.

По всей вероятности, декорации для пьес представляли собой портики, проемы между колоннами которых были завешаны тканью. Каждый персонаж появлялся из своей “ниши” и далее действие разыгрывалось на площадке перед портиком.

Такая система, несомненно, была заимствована из религозного театра: сходство с luoghi deputati и наличие черт симультанного театра. Подобная сценическая декорация получила в литературе название “сцена Теренция”.

Помпонио стали приглашать в сановные и княжеские дома.
В других городах,

например, во Флоренции, появились самостоятельные попытки постановок античных спектаклей в гуманистических кружках.
Римский театр стал модным. В 1480-х годах и позднее уже ни одно сколько-нибудь торжественное празднование в синьоральных резиденциях Италии не обходилось без каких-нибудь античных представлений.

гуманист Гуарино дал первые переводы Плавта и Теренция.
В 1486

г. в Ферраре во дворе герцогского замка на специально сооруженной сцене были поставлены "Два Менехма" Плавта в новом переводе гуманиста Никколо Корреджо с интермедиями.
«Два Менехма» Плавта — первая римская пьеса, сыгранная на итальянском языке. Это произошло в 1486 г.
В спектакле было занято двести человек! Действие перемежалось мифологическими картинами. На сцене были построены пять домов, в гавань приходил настоящий корабль, близнецы отличались друг от друга тем, что у одного на шляпе было золотое перо, у другого белое.

1491, 1493, 1501) шли там представления римских комедий в итальянском

переводе. Они постепенно были перенесены из двора внутрь дворца.
Особенно пышными были празднества в начале 1502 г. по случаю бракосочетания наследного принца Феррарского Альфонсо д'Эсте с папской дочерью Лукрецией Борджа.

Было представлено пять комедий, каждая из которых занимала целый вечер.
Это был парад комедий, как некогда представляли парад мистерии.
В промежутках между действиями давались интермедии.
Перед началом спектаклей по сцене продефилировали все участники представлений, числом сто десять человек, каждый в своем костюме.

и в других городах также ставились итальянские переводы комедий Плавта

и Теренция и трагедий Сенеки.
Если считать опыты Помпонио и его последователей с постановками римских драматургов в оригинале первой стадией в истории возрожденного нового театра, то постановки тех же произведений в итальянских переводах мы должны считать вторым этапом того же процесса.

Композиция — средневековой мистерии
Сюжет — языческий (античный)

Полициано — Меркурий, крылатый вестник богов Эллады, своего рода архангел

Олимпа.

Сходство с мистерией:
В мистерии нет деления на акты, как и в пьесе Полициано.

В мистериях декорация одна на все представление и действие в ней развивается симультанно: сценическое конструкция вмещает и небо, и землю, и ад — три яруса.
У Полициано также одновременно фигурируют и замля, и ад, а небо предполагается, т. к. с него спускается Меркурий.

сцене

постановками античных комедий в итальянских переводах, и обе формы постепенно

сближались, заимствуя одна у другой различные элементы сценического воплощения и драматургической техники.
Мифологические пьесы постепенно усваивали принцип деления на акты, первоначально чуждый мистериальному канону.

Дальнейшая эволюция итальянского театра должна была поэтому пойти по линии демократизации зрелища и по сюжету и по материальной доступности, т. к.:
1) Мифологическая пьеса и римские комедии имели то общее, что не могли выйти за пределы среды, чрезвычайно ограниченной. Плавт и Теренций интересовали исключительно людей очень образованных
2) Мифологическая пьеса была доступна почти исключительно придворно-аристократическим кругам и по дороговизне постановки и по сюжетам

Николо Макиавелли.

Людовико Ариосто (1474-1533)- итальянский поэт и драматург. Крупнейший представитель

поэтической культуры эпохи Возрождения.

как правило, к сезону карнавальных празднеств, которые отличались особой красочностью.

Наиболее

знаменитое сочинение Ариосто - поэма «Неистовый Роланд» («Неистовый Орландо»), работа над которой заняла двадцать пять лет (с 1507 по 1532 г.).

В отличие от средневековых романов поэма Ариосто лишена морализаторства, позиция автора пронизана иронией — он создает героико-комическое произведение. Хотя темы, затронутые автором, весьма серьезны — сила иллюзии, заставляющая человека без конца гоняться за тем, чем он никогда не сможет обладать всецело, испытания, которым подвергается верность в вечно меняющемся мире, — слог поэмы искрится остроумием.

Виланд, Вольтер, Байрон, Пушкин («Руслан и Людмила» и перевод отрывка

об обнаружении Роландом измены Анжелики — «Пред рыцарем блестит водами»), Мандельштам («Ариост»).

Рыцарская поэма Ариосто «Неистовый Роланд» многократно разрабатывалась в драматическом и оперно-балетном театре различных стран.

«Когда рассудок поддается порыву или гневу и слепая ярость оскорбляет друга действием или словом, то позже ни слезы ни вздохи не в состоянии исправить ошибки.» Людовико Ариосто

В ней поэт достаточно свободно следовал образцам римской комедии. Ариосто

сохранил основную группу персонажей плавтовской пьесы-прототипа: скупого и сварливого отца, влюбленных юношей, пронырливых и находчивых слуг, в руках которых сосредоточены основные нити интриги.
Самым оригинальным персонажем был скупой и подозрительный работорговец Лукрано. Любитель поучать других, думающий только о собственной выгоде, обманщик, он в финале комедии получает по заслугам. Но это не противоречит благополучному исходу действия.

Празднично-ренессансный характер достигался веселыми интермедиями, танцами, блестящими декорациями.

итальянской жизни. Она была поставлена для герцога Ипполито, а декорации

к ней писал сам Рафаэль.
Действие пьесы отнесено к XV веку и происходит в Ферраре, что придало комедии естественность и позволило автору делать намеки на современность. Удачно использовав мотив переодевания, Ариосто создал выразительные мизансцены.
Завершается комедия торжеством молодых влюбленных. В качестве интермедии была разыграна сценка, где «Вулкан и циклопы куют стрелы под аккомпанемент флейт, своих молотов и подвешенных к ногам колокольчиков, затем они работают своими кузнечными мехами и танцуют мореску под звуки тех же молотов».

Эта пьеса отличалась яркой антиаскетической направленностью, жизнерадостностью, дерзкой непочтительностью к религии (поставлена также при дворе папы Льва X, отличавшегося либерализмом).

оформлении комедия Бернардо Биббиены, будущего кардинала и одного из остроумнейших

людей своего времени. Комедия называлась "Каландро" .

культурного и политического горизонта конца XV — начала XVI века.

Ловкий политик, связавший свою судьбу с домом Медичи.
Был связан дружескими узами со многими замечательными людьми своего времени, в частности с Рафаэлем (оставив­шим знаменитый портрет кардинала Биббиены), Бальтазаром Кастильоне, Пьетро Бембо, Лодовико Ариосто. Остроумие светского кардинала Биббиены стало цитатным еще при жизни. Обширная образованность в сочетании с природной склонностью к лицедейству помогли ему утвердить свой авторитет в области театра. Нередко он сам руководил театральными постановками, давал указания декораторам, занимался с актерами, подбирал и заказывал музыку.

мыслителей своего времени, политик-практик и историк, создатель политической науки в

новой Европе, смелый скептик и атеист, написал комедию «Мандрагора» для того, чтобы дать бытовую иллюстрацию для некоторых своих широких политических конструкций.

и нам кажется, что содержание это и есть сюжет.

В этой

пьесе один человек Нича Кальфуччи имеет молодую жену и не имеет детей. Он считает, что в ней причина бездетности. Он пытается найти способы ее вылечить. В итоге к нему приходит проходимец и обещает вылечить его жену. Он говорит про настойку мандрагоры (старинное средство от бесплодия), но одно условие: первый кто переспит с ней – умрет. Потому что растение это имеет такое свойство. Для этого надо какого-то бродягу подсунуть к ней в кровать и освободиться от этой проблемы. Конечно бродягой оказывается тот, кто дает этот рецепт.

Но тут одно препятствие – жена не хочет (ни изменять мужу, ни смерти этого человека).В итоге ее уговаривают. Даже священника привлекают…

Читая пьесу мы сразу видим фарсовую основу лежащую на поверхности – старый муж, бесплодная жена, обман…

Когда создается классическое произведение (Гамлет, Король Лир, Отелло) драматурги специально берут сюжетную схему понятную всем. Но в эту схему они помещали совершенно другое содержание.

фарса – обман вокруг мнимого бесплодия жены и вложил туда

следующее содержание. Главный герой Каллимако он уже не молодой: ему около 30 лет. Мы узнаем о споре его с товарищами о том, может ли женщина быть прекрасна и добродетельна одновременно. Все решили, что это невозможно.
Это - центральная философская проблема, которую пыталось решить искусство эпохи возрождения. Если человек богоподобен, то он должен в себе нести только идеи добра, и красота должна быть добродетельна. Она не может быть другой.

Эта идея – держатель конструкций почти всех пьес Шекспира. В его пьесах есть железное правило. Если герой красив внешне, то он красив и внутренне. Если герой урод (Ричард III), то мы имеем дело с духовным нравственным уродством. Слово и смысл слова совпадают. Цитата Достоевского о том что красота спасет мир, цитируется на каждом шагу сегодня. Но если пробиться к ее первоначальному смыслу, о чем идет речь? Это вопрос формы и содержания. И по сей день этот вопрос является не разрешаемым. Потому что если красота действительно добродетельна, то все вопросы сразу отпадают.

что гений и злодейство две вещи совместны. Как ты можешь

что-то творить и к чему то призывать, если ты сам чудовище?
И пьеса мандрагора затрагивает как раз эту проблему. Каллимако узнав, что есть такая женщина, отправляется во Флоренцию, чтобы проверить это. Форма - фарс, а содержание — иное.
Для начала для него это интеллектуальный эксперимент. И он должен дойти до конца этого эксперимента.

Но чистоты эксперимента нет: женщину просто обманули. Она действительно в его глазах прекрасна и добродетельна. Когда наступает утро, и он открывает ей правду и предлагает признаться во всем мужу, она вдруг говорит – а зачем?

Совершенно трагический финал. Трагифарсовая природа конфликта. Пьеса трудна для постановки: когда ее ставить как фарс — тема «мелкая», а если вытаскивать философию, то пропадает фарсовая природа и она становится многозначительно надуманной.

ведущий итальянский автор своего времени, благодаря своим сатирам и памфлетам

заработавший прозвание «бич государей, божественный

Пьетро Аретино», считающийся некоторыми исследователями предтечей и основателем европейской журналистики.

Пьеса «Комедия придворных нравов»

«Главное дело, чтобы придворный умел
богохульствовать, умел быть игроком,
завистником, блудником, еретиком,
льстецом, злословцем, неблагодарным,
невежественным, ослом; чтобы он умел
молоть языком, изображать собою нимфу,
быть лицом активным и пассивным».

разные слои католического общества. Аретино высмеивал их с позиций характерного

для Возрождения свободомыслия.

Как комедиограф он порывает с традициями гуманистической „ученой комедии“ и пытается разрушить классические комедийные фабулы и типажи. Для его комедий характерны отсутствие единого сюжета, разорванность композиции, несвязанность сцен, немотивированность действия. Главная цель Аретино — натуралистическая имитация реальной жизни; он даже дает некоторым комическим героям имена их подлинных прототипов. В лучших своих комедиях ему удается индивидуализировать речь персонажей. Аретино критикует нравы своего „позорного века“ с точки зрения простолюдина. Его комедийный мир населен живыми и колоритными людьми из народа — мастеровыми, слугами, сводницами, мошенниками, ворами и др., говорящими на сочном грубоватом языке улицы. С другой стороны в пяти комедиях Аретино встречаются, правда, бытовые образы с примесью памфлетного элемента; но обрисовка характеров поверхностна, а над сатирой преобладает зубоскальство.

и это обстоятельство отодвигает их на периферию гуманистической драмы.

Комедии

Аретино, весьма слабые в отношении драматургического построения, интересны в качестве произведений, воспроизводящих быт тогдашней Италии, вернее, темные стороны этого быта. Вращавшийся в течение всей своей необычной жизни в среде аферистов, куртизанок, разного рода искателей приключений, Аретино делает этих представителей „полусвета“ героями своих комедий; он дает своим персонажам мастерскую характеристику, создает галерею типов, великолепных в своей законченности и нештампованности.

Однако Аретино не нашёл последователей. Бытовая комедия не получила дальнейшего развития

комедии сатирического типа, но и комедии, где философия присутствует не

для простого иллюстрирования эрудиции автора, а лежит в основе всего художественного замысла.
В этом отношении комедия Джордано Бруно при всей разнице в общеидеологических установках завершает линию, начатую «Мандрагорой» Макиавелли.

Бруно кладет в ее основу любовную интригу.
Придурковатый престарелый дворянин

Бонифачо, имея молодую красивую жену, прельщается опытной куртизанкой. Однако на ночное свидание в одеждах куртизанки приходит его жена, которая ставит его в самое дурацкое положение.

Впрочем, это не помешало ей склонить свой слух к нежным признаниям молодого художника Джованни Бернардо. На этот сюжетный стержень автор нанизывает многочисленные забавные эпизоды, в которых выступают разнообразные персонажи, как бы шествующие в своего рода сатирическом параде.

из древних авторов и не способных говорить на обычном человеческом

языке. Таков Мамфурио - "профессор латинской, греческой и итальянской словесности, доктор философии и теологии, медицины и всяких прав".

Он укоряет своего ученика за то, что, слушая наставника, изъясняющегося "знаменитейшими фразами", он не желает любоваться "литературными оборотами", используя в своем ответе слова, которые он воспринял "от повитухи еще в колыбели". Умный художник Джованни Бернардо, имея в виду Мамфурио и ему подобных, решительно заявляет: "Чертовски много развелось этих ученых крыс!".

же художник объясняет, каким образом шарлатаны-алхимики обманывают легковерных. Осмеивается в

комедии и колдовство, с помощью которого влюбленный якобы способен пробудить любовь в сердце женщины.
Активную роль в комедии играет шайка мошенников, выдающих себя за полицейских. Видимо, этим и вправду занималась итальянская полиция того времени, и Бруно нашел остроумный прием, позволивший ему под прикрытием маскарадных личин поведать людям горькую правду.

забавляется комическими ситуациями, смех его горек; комедия у него преображается

в сатиру. Куртизанка в пьесе Дж. Бруно не походит на порочные, но милые создания Аретино.
Глупцы в «Подсвечнике» не веселят, как в «Каландро», а вызывают отвращение; автор изображает разбойников, переодетых полицейскими, обманщиков, сводней и холодных распутников.
Несмотря на рыхлую композицию и растянутость, «Подсвечник» относится вместе с «Мандрагорой» и некоторыми комедиями Рудзанте к лучшим театральным пьесам итальянского Возрождения и идет на сценах в наше время.

трагедии)

Джанджорджо Триссино (1478-1550)

Первая итальянская трагедия "Софонисба" появилась в 1515 г.

Он написал свою трагедию нерифмованным пятистопным ямбом. Это было первое

применение в драме белого стиха.

драмы, итальянской (и вообще европейской) трагедией; она имела большой успех

благодаря легкости и выразительности слога и драматизму сюжета.

Сюжет — трагическая любовь нумидийской царицы Софонисбы и Массинисы, союзника римлян, — был заимствован драматургом из рассказа римского историка Тита Ливия («История Рима») и из пятой книги петрарковской «Африки». Впоследствии она была переведена на французский язык и оказала огромное влияние на новый европейский театр.

Здесь Триссино начинает переориентацию европейской литературы на образец «Поэтики» Аристотеля (впервые опубликованной по-гречески в 1506 году), то есть стоит у истоков классицизма.

В его трагедии участвуют вестники, наперсницы, хор; в ней нет

деления на акты; все решающие события, все кровавые деяния происходят за кулисами. Триссино соблюдает в своей трагедии три единства и закон трех актеров.

Сюжет "Софонисбы" взят из римской истории и в основном следует изложению Тита Ливия. Софонисба - карфагенская царевна, влюбленная в нумидийского царя Массиниссу, насильно выдана замуж за его брата, африканского царька Сифакса. Во время войны между Римом и Карфагеном Массинисса, пылая жаждой мщения, переходит на сторону Рима и после взятия Карфагена завладевает Софонисбой. Но римский полководец Сципион приказывает ему отдать любимую женщину Риму: она должна украсить собой триумфальную колесницу полководца, сокрушившего Карфаген. Массинисса не в силах сопротивляться железной воле Сципиона и, желая избавить возлюбленную от унижения, посылает ей кубок с ядом. Софонисба выпивает яд, произнося следующие слова, обращенные к ее наперснице:

Моим родителям расскажешь ты,
Как умерла их дочь и почему;
Расскажешь им, что, стать боясь рабыней
И нашу кровь позором обесчестить,
Яд приняла я в цвете лет моих...

в целом она утверждала узкие дворянско-аристократические воззрения.

В "Софонисбе" отсутствует глубокий

идейный конфликт.
Она несет на себе отпечаток той ограниченности, которая присуща истории мелких итальянских государств с их местными, провинциальными интересами.

уже не греческими трагиками, а Сенекою и пытались воздействовать на

зрителя - именно на зрителя, а не на читателя - нагромождением всевозможных ужасов.

"Орбекка", трагедия Джиральди Чинтио

Джиральди Чинтио

"Тиест". Героиню пьесы Орбекку, тайно обвенчанную с армянским принцем Оронте

и имеющую от него двух детей, отец принуждает выйти замуж за царя парфянского.

Тайна Орбекки открывается. Чтобы наказать дочь за своеволие, отец убивает ее детей и мужа. Во время свадебного пира он преподносит ей на блюде их головы и руки. Орбекка закалывает своего отца, а затем и себя.
Публика цепенела от ужаса, смотря трагедию Чинтио.

Орбекка

Дж. Чинтио несколько ограничил в ней роль хора, который у

него присутствует на сцене не все время. Трагедия разбита на пять актов; в антрактах сцена остается пуста. Введение антрактов объясняется большим объемом пьесы (3200 стихов). Все "ужасы", которыми переполнена пьеса, происходят за сценой, и зрители узнают о них только из рассказов вестника, роль которого в этой трагедии особенно значительна.

Трагедия Чинтио была поставлена и имела немалый успех. Сохранились имена некоторых ее исполнителей. Роль Орбекки играл юноша Фламинио, роль вестника - Кариньяно да Монтефалько. Эти актеры были любителями.

трагедии - "Розамунда" и "Орест".

"Розамунда" (1515) пользовалась большим успехом. В

ней переплетаются мотивы "Антигоны" Софокла и средневековой истории, повествующей о гибели первого лангобардского короля Альбоина.

Когда лангобарды победили своих противников гепидов, король Альбоин приказал убить их короля Кунимунда и запретил его дочери Розамунде предать тело отца земле. Розамунда в сопровождении хора и кормилицы совершает обряд погребения, после чего происходит сцена, напоминающая эпизод Антигоны и Креонта из трагедии Софокла. Альбоин повелевает вырыть труп Кунимунда. Но затем в нарушение античного сюжета Альбоин, прельщенный красотой Розамунды, влюбляется в нее.

На свадебном пиру он заставляет Розамунду выпить вино из кубка, сделанного из черепа ее отца. Появляется возлюбленный Розамунды Альмагильд и убивает Альбоина.

второй половины XVI века.

Так, в "Марианне" Лодовико Дольче (1565) ревнивый

муж преподносил своей жене голову, сердце и руки ее мнимого любовника.

В "Далиде" Луиджи Грото (1572) покинутая жена, ревнуя мужа, заставляет соперницу убить своих детей и сама убивает ее, а затем посылает их мертвые головы мужу, а муж в свою очередь, узнав об измене жены, обезглавливает ее любовника. Все это кончается тем, что злобные супруги отравляют друг друга.

"трагедия ужасов" отличалась тем, что в ней самыми главными были

кровавые сцены. Пьеса вызывала ужас, не пробуждая мысли, не поднимая вопросов о смысле жизни и о судьбе человека.
В трагедиях второй половины XVI века проводится весьма мрачная житейская философия. Она трактует о человеческой злобе, изменчивости судьбы, непрочности счастья, ничтожестве всякого величия. Сравнивая жизнь человека с кораблем в бушующем море, драматурги учат зрителей не возноситься в счастье и покоряться судьбе.
Все это было связано с изменением мировосприятия и мироощущения людей эпохи позднего Возрождения: на смену ясному и гармоничному ренессансному гуманизму приходило мрачное и мистическое барокко.

сыновей и дочери старого Горация, римского патриота, пославшего своих сыновей

биться за честь и славу родного города с бойцами враждебной Альба Лонги.
Сюжет получит мировую известность впоследствии в разработке Корнеля, но первым его нашел Аретино.
"Горации", как и "Софонисба", написаны белыми стихами и сохраняют пресловутые единства. Но сделаны они гораздо проще и содержат в себе ряд удачных новшеств. Все интермедии исполняются "хором доблестей". А рядом с хором — впервые в ренессансной драматургии - фигурирует вполне реалистический коллектив, действующий и говорящий народ, что создает тот естественный фон, который оживляет всю трагедию и делает живыми людьми ее героев. Народ определяет исход драматического конфликта.

отличается простотой и ясностью. Автор стремится освободиться от монологов (и

вестников) и заменить рассказ о событиях непосредственным сценическим действием, хотя и не всегда успешно.

Историческое значение трагедии "Горации" заключается в том, что в эпоху кризиса гуманизма Аретино показал свою несомненную связь с демократическими традициями раннего Возрождения и сумел передать в своей трагедии подлинное величие и благородство древних римлян.

Таким образом, в "Горациях" трагедия итальянского Возрождения как будто нащупала настоящий путь. Но вступить на него твердо и удержаться на нем итальянская трагедия была не в состоянии.

трагедией Аретино представляет единственное светлое пятно на общем фоне трагедийного

творчества Италии эпохи позднего Возрождения

Торквато Тассо (1544-1595) "Торисмунд" (1586).

Действие происходит на севере, в скандинавских государствах. В трагедию введен комедийный прием узнавания. Двое молодых людей любят друг друга, но оказываются братом и сестрой и в отчаянии лишают себя жизни. Все, чем силен Тассо как поэт, сказалось в "Торисмунде", но далеко не в той мере, как в его поэме или даже в его поэме "Аминта".

то, естественно, в Италии же появились первые попытки создать теорию

драмы. Теория драмы сложилась путем комментирования верховного авторитета древнего мира в этой области, Аристотеля и его "Поэтики".
1) Триссино — "Поэтика" и 2) "Рассуждения" Джиральди Чинтио (1554) — Аристотель говорил о необходимости только одного единства: действия. Чинтио и Триссино возвели его наблюдение, что действие у греческих трагиков совершается в течение одного оборота солнца, в закон, который позднее был формулирован как требование единства времени;
3) трактат Скалигера "Семь книг Поэтики". Скалигер истолковал замечание Аристотеля, что события в драме должны быть как можно ближе к истине, в качестве требования единства места.
4) Все эти комментарии были сведены в "Поэтике" Лодовико Кастельветро в стройную теорию трех единств (1570). Кастельветро и должен считаться отцом классицистского канона!!!!, который быстро нашел отклик во всей Европе и хотя разными результатами, но одинаково тиранически воздействовал на всех представителей классицистской драматургии.

в XV веке серия драматизированных пасторалей, жанр этот на время

увял. Расцвел он вновь уже в конце XVI века. Пасторальная драма, как и рыцарская поэма, процветала главным образом в Ферраре, центре аристократически-рыцарского быта. Нигде не было таких пышных турниров, празднеств и зрелищ, как в Ферраре, до тех пор, пока ее не превзошла герцогская Флоренция.

охота же - благородное занятие в глазах феррарского светского общества.

Охота для пастухов "Аминты" - не средство к добыванию жизненного пропитания, а - развлечение. Их игры - салонные игры конца XVI века.

С точки зрения аристократического общества, любовь "благородных" пастухов и нимф "Аминты" не имеет ничего общего с "грубой и комической" любовью, изображенной в пасторали народного происхождения. Сами названия - пастухи и нимфы - условны как условен и весь сельский быт пасторали. Пастух Аминта оказывается потомком богов.

обсудить занимавшие их вопросы.

Их волновали хлесткие афоризмы Дафны и

Тирсида, заимствованные из "Науки о любви" Овидия; кажущаяся неуязвимой логика Тирсида и неловкие, но задушевные доводы Аминты.

Перед зрителями дебатировались вопросы любви, почти в строгом ряде силлогизмов, приводились доводы «за» и «против» чтобы в конце пасторали увлечь зрителей порывом любви, не знающей рассуждений, как бы сметающей границы дозволенного и недозволенного любовным кодексом.

Ибо показать такую любовь и было целью Торквато Тассо.

прозрачность в развитии драматического сюжета)
- симметрическое чередованием действенных и лирико-повествовательных

эпизодов
- симметрично расположены и сами драматические происшествия пасторали: вначале Аминта приходил в отчаяние, узнав о мнимой гибели Сильвии, затем та же самая ситуация повторялась с Сильвией, которая, поверив ложному известию о смерти Аминты, приходила в отчаяние и этим выдавала свою страсть к влюбленному в нее пастуху.

а борьбу со страстями, в чем он открыто расходился с

"Аминтой".

Поэтический строй речи и построение фабулы указывали на то, что Гуарини отступил от ренессансной простоты в сторону изысканной манерности, именуемой в изобразительном искусстве маньеризмом.

три пары влюбленных и главной темой была неразделенная любовь. Эта

усложненность, запутанность интриги определили успех "Верного пастуха", значительно превзошедший у современников успех лирической пасторали Тассо. Внимание зрителей приковывали ситуации с подмененными детьми, недоразумения, путаницы, финальные узнавания и прочие атрибуты развлекательной драматургии.

В ней отсутствует простота и уже звучат нотки барочной поэтики.

новом жанре, сформировавшемся при флорентийском герцогском дворе, в так называемой

музыкальной драме (зарождается опера).