Искусство 20 века Модерн в Европе

(фр. art nouveau, букв. «новое искусство»); в Англии — «современный стиль» (англ.

modern style); в Германии — «югендштиль» (нем. Jugendstil — «молодой стиль» ); в Австрии, Чехословакии и Польше — «сецессион» (нем. Secession — «отделение, обособление»); в Шотландии — «стиль Глазго» (англ. Glasgow style); в Италии — «либерти» («стиль Либерти»); в Испании — «модернизмо» (исп. modernismo); в России — «модерн».

Модерн - художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве, распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века

в пользу более плавных, изогнутых, как подражание природным формам растений.

Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. В формах модерна преобладал — отказ от симметрии, вертикальные, стремящиеся ввысь доминанты, перетекание форм одна в другую. Преобладающими цветами являлись приглушенные оттенки — цвет увядшей розы, табачные цвета, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона. Для интерьера характерны сочетание плоскостей, изогнутая мебель; в отделке — наличие мозаики, эмали, золотых фонов, чеканка по меди и латуни. Конструкции стиля — часто каркасные (несущим элементом является стальной каркас). Окна — прямоугольные, вытянутые кверху, часто с богатым растительным декором, иногда арочные, «магазинные окна» — широкие, наподобие витрин. Двери стиля модерн — прямоугольные, часто арочные плоской формы, с мозаичным орнаментом, декорированные.

Основные черты

18 архитектурных проектов. Столица родной провинции стала для него домом

и лабораторией, где он ставил свои странные архитектурные опыты
Закончил Провинциальную школу архитекторов в Барселоне в 1878 г.
Он с детства страдал ревматизмом, препятствующим играм с другими детьми, но не мешающим длительным одиночным прогулкам, к которым он питал пристрастие всю свою жизнь. Ограниченная из-за болезни подвижность обострила наблюдательность будущего архитектора, открыла ему мир природы, ставший главным источником вдохновения при решении как художественно-оформительских, так и конструктивных задач.

Антонио Гауди (1852-1926)

называемые павильоны, (1885-1888) и городской особняк (1886-1888). Позднее возник проект

парка Гуэль (1903-1910). Монте Пелада - лысая гора именно здесь вырос город-сад, задуманный как убежище от индустриальных ужасов ХХ столетия. Территорию парка предполагалось разделить на 60 частей для домов состоятельных горожан, но проданы были лишь 2 участка. Притом одним из покупателей был сам Гауди. Главная достопримечательность самого оптимистичного творения архитектора - скамья-змея - удивительный памятник бесконечности, чья поверхность пестрит странными, колдовскими знаками и символами. Развести Гуэля и Гауди не смогла даже эта неудача.

Парк Гуэля

усаживал
рабочих, чтобы придать ей правильный изгиб, удобный для такого

положения тела
человека.

одетый в мозаику-чешую, меняющий свой цвет в зависимости от освещения.

Среди жителей Барселоны он известен под зловещим прозвищем - "Дом костей". Достаточно одного взгляда для того, чтобы понять причины возникновения этого имени. Решетки окон и балконов каса Батло кажутся составленными из фрагментов скелета неизвестного гигантского существа.

Дом Бальо

под именем "Ла Педрера" - "Каменоломня" - самый невероятный из

жилых домов столицы Каталонии, а, возможно, и мира. Другой известный фантазер из Барселоны, художник Сальвадор Дали, сказал, однажды, что это здание похоже на смятые штормовые волны.

Дом Мила

Саграда да Фамилиа - пересказанный в камне и бетоне Новый

завет. Сюрреалистическая готика, на стенах которой обитают святые, черепахи, саламандры, улитки… Гауди отдал храму 43 года жизни, а с 1910 года и вовсе занимался лишь им. Однако строительство последнего великого собора Европы продолжается по сей день. Гауди знал, что ему не суждено увидеть храм завершенным. Некоторые, правда, и вовсе считают, что тайный замысел Гауди - вечное строительство собора. А единственной программой, которая смогла сделать расчеты необходимые для продолжения строительства Саграда да Фамилиа оказалась программа НАСА, рассчитывающая траекторию космических полетов.
Последние годы своей жизни Гауди провел у стен строящегося собора. Он не брал денег за свой труд, напротив все средства вкладывал в постройку собора. Когда одетого в лохмотья старика сбил трамвай, никто из свидетелей трагического происшествия не узнал в нем знаменитого архитектора. Похоронили Гауди в его соборе, под сводами арок из переплетенных "ветвей" колонн.
"Это будет подобно лесу. Мягкий свет будет литься через оконные проемы, находящиеся на различной высоте, и вам покажется, что это светят звезды"… Таким Гауди видел величайшее из своих творений.

Искупительный храм Святого семейства

либо гений". С тех пор эти два слова чаще всего

используют, описывая архитектора и его творения. Также, возможно, что однажды, самый необычный архитектор ХХ столетия станет святым. В 1998 году архиепископ Барселоны начал процедуру причисления Антонио Гауди к лику святых. Почему бы и нет? Ведь он видел свое предназначение в том, чтобы понять, как устроен мир, и трудиться над его постройкой вместе с Богом.
Тысячелетиями архитекторы украшали свои постройки статуями, лепниной, скрывая от посторонних взглядов конструкции, имевшие в своей основе простые геометрические объемы. Но, Гауди не стал их прятать. Он просто постарался не использовать их в своих постройках. Стены, крыши, окна, двери изгибаются и искривляются. Его здания похожи то на диковинных животных, то на растения или скалы. Чтобы не резать помещения, он придумал собственную безопорную систему перекрытий. Безудержная фантазия сочеталась с тонким математическим расчетом, умением и желанием экспериментировать с новейшими строительными материалами. Он начинал стройку, не имея готовых чертежей. Так, как каждый выстроенный дом Гауди считал живым существом, то верил, что каждому его созданию требуется свобода для роста. И порой целые помещения, не понравившиеся архитектору, могли пойти под снос. Оспаривать его решения пытались немногие. Вмешательства в творческий процесс он не терпел.

в его феноменальной природной прочности одно время носил сырые яйца,

которые брал с собой для завтрака, прямо в кармане.
Друзья отмечали его совершенно фантастическую ловкость, как, например, умение ловить мух на лету левой рукой.
Гауди был художником-мастеровым в высшем смысле этого слова. Он проектировал не только здания, но и удивительную мебель, причудливые решётки оград, ворот и перил. Своё поразительное умение мыслить и чувствовать в трёх измерениях объяснял наследственностью: отец и дед — кузнецы, один дед матери — бондарь, другой моряк — «люди пространства и расположения».
Его отец был медником, и этот факт, несомненно, оказал влияние на пристрастие Гауди к художественному литью. Многие поразительнейшие творения Гауди сделаны из кованого железа, зачастую его собственными руками.
В молодости архитектор был рьяным антиклерикалом, однако затем стал убеждённым католиком. Последние годы зодчий провёл как аскет-отшельник, полностью посвятив все свои силы и энергию на создание бессмертного храма Святого Семейства, который стал высшим воплощением не только его уникального таланта, но и истовой веры.
Гауди был раздавлен между двумя трамваями 7 июня 1926. Говорят, будто движение трамваев в Барселоне впервые началось именно в этот день.
Талант Антони Гауди был, разумеется, широко известен в Каталонии, однако по-настоящему «открыли» Гауди только в 1952 году, спустя 26 лет после смерти, когда состоялась огромная ретроспективная выставка его работ.
Известный архитектор имеет все шансы стать самым «авангардным» святым в истории католической церкви. Ведь Саграда Фамилия — это неоготика разве что по духу, от церковных канонов в проекте остались лишь общие очертания.

Интересные факты

учился у Родена, вникая в особенности его техники и видения

формы. Позднее он получил право переводить гипсовые и глиняные модели в мрамор и бронзу. Именно через руки Бурделя прошла отливка скульптурной композиции «Граждане Кале»: он принимал изготовленные фрагменты памятника перед его установкой в 1895 г.

Эмиль Антуан Бурдель (1861-1929)

публики и была высоко оценена его наставником Роденом. Бронзовая фигура

лучника напоминает статую «Дискобол» древнегреческого мастера Мирона. Кажется, что в этой скульптуре отразилась фраза самого Бурделя: «Уравновешенная неуравновешенность — вот чудесная вещь».

колонну древнего храма, эта статуя — словно символ устойчивости и

равновесия. Она олицетворяет собой всепобеждающую женскую силу. 

(Сапфо), жившей в VII—VI вв. до н.э. Её статуя монументальна

и уравновешенна. Но лира не звучит, взгляд женщины устремлён в землю, губы плотно сжаты, а пальцы правой руки, сгибаясь, отсчитывают ритм поэтических строф, рождающихся в её душе. В статуе Сафо Бурдель воплотил величавый образ художника, чью жизнь творчество делает трудной и одновременно прекрасной.

изваял в 1909 г., похож на весёлого и хитрого бога

Пана

оформлении архитектурного сооружения. Богатый финансист Габриэль Тома, поклонник искусств и

обладатель нескольких работ Бурделя, в 1911 г. начал строительство здания театра на Елисейских Полях в Париже. Удачными оказались две композиции Бурделя 1912 г., предназначенные для простенков между окнами первого и второго этажей боковых фасадов. «Танец» навеян выступлениями известных танцовщиков Айседоры Дункан и Вацлава Нижинского, которые гастролировали тогда в Париже.

Париже. Он участвовал вместе с Роденом в организации скульптурной школы,

а с 1909 г. и до самой смерти преподавал в частной парижской художественной школе Гранд Шомьер. В начале 20-х гг. прошли персональные выставки Бурделя в странах Европы и по всему миру. У мастера появилось огромное количество заказов. В 1919 г. скульптора наградили орденом Почётного легиона.           В последнее десятилетие жизни Бурдель завершил выдающийся памятник, посвященный окончанию Первой мировой войны, — «Франция, приветствующая иностранные легионы» (теперь он называется «Франция», 1925).

изящных искусств у известного неоклассического мастера  Жерома, а затем в

– Школе декоративных искусств у Кабанеля. Свою творческую карьеру он начал как живописец.  Его ранних работах ощущается влияние Гогена и французского символизма. В этот период Майоль входил в группу «Наби». В 1893-1895 годах он увлекся созданием гобеленов, а затем обратился к мелкой пластике и керамике, а с 1900 года  работал преимущественно как скульптор.
Главной темой в творчестве мастера становится изображение классической красоты обнаженного женского тела. Майоль стремился к синтетической обобщенности образов, он стремился не к отвлеченной идеализации, а к поиску гармонии в самой натуре. На протяжении всей своей жизни мастер оставался верен принципам классического искусства, совершенная им в 1908 году поездка в  Грецию, где он смог изучать памятники античного искусства, лишь укрепила его убежденность.

Аристид Майоль (1861-1944)

крестьянка.

или своеобразные «первоначала» природы — землю, воду, воздух. Этот замысел

нашел воплощение в статуях «Гора» и «Река». Скульптура «Гора» — снова женщина, она душа горы, её незримый образ, её сущность. Одна нога женщины уходит в камень, другая согнута; голова её склонена. Пальцы рук женщины разомкнуты и устремлены вверх — это вершина горы. Волнистые развевающиеся волосы олицетворяют облака, наползающие на вершину.

года, но она осталась незавершённой. «Гармония» изображает юную, сильную и

гибкую женщину, неуловимо похожую на античную Венеру. Это своего рода завещание скульптора потомкам.

яблоня не выдумывает своих яблок». Простые истины, которые благодаря ему

вновь утвердились в европейской скульптуре, — это законы гармонии и красоты. Они были надолго забыты; их подменили условной красивостью, принятой в академиях, пустой и бездушной. Вслед за живописной выразительностью Огюста Родена и эмоциональностью Антуана Бурделя классическая простота Аристида Майоля уничтожила последние следы академизма, вернув скульптуре XX века её древние основы.
В 1934 году архитектор Жан-Клод Дондель познакомил 73-летнего Майоля с иммигранткой из Румынии, 15-летней Диной Верни, которая стала сначала его натурщицей, а затем и музой. Он представлял её в виде разнообразных ню в бронзе, мраморе и прочих материалах (композиции «Река», «Воздух», «Гармония» и множество других).
Майоль погиб в автокатастрофе 27 сентября 1944 года в возрасте 83 лет.
Своё состояние, в том числе все коллекции, Майоль завещал Дине Верни, и после его гибели в автокатастрофе, она открывает галерею в Париже, ставшую одной из самых успешных. На протяжении всей жизни Дина Верни занималась пропагандой творчества Майоля, увенчавшейся в 1995 году открытием музея Майоля — «Фонда Дины Верни» , который, имея множество работ Майоля в постоянной экспозиции.

ярчайших представителей стиля модерн.
Родился художник 24 июля 1860 в Иванчице

(Моравия) . Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. С1881 года Альфонс Муха был придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р. Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.

Альфонс Муха (1860-1939)

1894; Дама с камелиями, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по

мотивам Еврипида, 1898). Частично Альфонс Муха выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения.Альфонс Муха стал одним из ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896;Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт - постеров.
Собрал свои дизайнерские проекты (панно, витражей, ковров, мебели) в альбоме Декоративные документы (1901). Работал как книжный иллюстратор, исполнил декоративную живопись павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже (1900; не сохранилась) и Дома собраний в Праге (1910), нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918). В 1913–1930 написал большой цикл Славянская эпопея(музей замка Моравски Крумлов); традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна. После Первой мировой войны Альфонс Муха перебрался в Чехию. Умер художник в Праге 14 июля 1939.

"Ренессанс" в 1894 году. Это была афиша на премьеру спектакля

"Жисмонда" с актрисой Сарой Бернар. После этой работы Альфонс Муха проснулся известнейшим художником Парижа. Сама Сара Бернар пожелала познакомиться с ним, она же и помогла ему получить должность главного декоратора в театре "Ренессанс". После этой встречи художник Альфонс Муха становится и любовником знаменитой актрисы Сары Бернар.

как "Дама с камелиями", "Медея", "Самаритянка", "Гамлет" и "Тоска". Все

костюмы, украшения и декорации также выходят "из-под пера" Альфонса. 

"море" заказов в различных областях дизайна от этикеток до ювелирных

украшений и интерьеров. Именно этот период становится пиком популярности и зарождением нового стиля, который можно по праву назвать именем Альфонса Мухи. Появляется новое понятие "La Femme Muchas", возникновение которого еще раз доказывает, каким невероятным успехом, талантом и безграничным творческим потенциалом обладал художник. Самые известные его работы на тот момент : "Времена года", "Цветы", "Деревья", "Месяцы", "Звезды", "Искусства", "Драгоценные камни". В работах Мухи доминантный элемент композиции – это женщина, с шикарными волосами, окруженная цветами и растительными орнаментами.

написанием шедевральных живописных полотен на славянскую тему. Художник решил запечатлеть

на полотне наиболее значимые события общеславянской истории. Картины были громадными — 6 на 8 метров. Весной 1913 года Альфонс Муха отправился в Россию, чтобы собрать материалы для будущих работ цикла. Художник побывал в Санкт- ­Петербурге и в Москве, где посетил Третьяковскую галерею. Особенно сильное впечатление на него произвела Троице-­Сергиева лавра. В Чехии в громадном Хрустальном зале в замке Збирог он пишет такие картины как: "Симеон, царь Болгарии", "Славяне на исторической родине", "После Грюнвальского сражения", "Проповедь Яна Гуса", "Отмена крепостного права в России". 
В 1928 году Альфонс дарит свой восемнадцатилетний труд «Славянская эпопея» - 20 полотен, городу Прага. Сейчас эта коллекция находится в замке в городе Крумлов на юге Чехии и доступна для посетителей с 1963 года.  После захвата гитлеровской Германией Альфонс Муха много раз был подвергнут арестам и допросам, т.к. был патриотом своей страны, а Гитлер поместил его в список врагов рейха. Престарелый художник не выдержал этого испытания, заболел пневмонией и скончался 14 июля 1939 года. Альфонс Муха был похоронен на кладбище в Вышеграде.

Славянский эпос

влиянием матери рано заинтересовался английской и французской литературой, а также занимался с матерью

музыкой. При поддержке нескольких аристократических семей он брал уроки у известных пианистов и, как результат, в 11 лет сочинял музыку и стихи, которые отличались редким изяществом, а с марта 1881 года (после переезда в Лондон) вместе с сестрой Мейбл давал концерты, на которые собирались до 3000 человек.
В 1879 году семилетнему Обри поставили диагноз туберкулез.
Обри сначала поступает чертёжником в студию одного лондонского архитектора, а в возрасте семнадцати лет определяется на службу клерком в лондонское страховое общество «The Guardian Life and Fire Insurance». Однако службу и любительские спектакли приходится бросить: осенью юноша начал кашлять кровью. Именно в это время из всех видов искусства Бёрдслей отдаёт предпочтение изобразительному. Несмотря на болезнь, некоторое время он посещает уроки в Вестминстерской художественной школе у профессора Ф. Брауна по совету Эдварда Бёрн-Джонса, который, кстати, познакомил его с Оскаром Уайльдом . Однако всего в искусстве он добился самостоятельно, и поэтому считается гениальным самоучкой.

Обри Винсент Бёрдслей (1872-1898)

в год-два сделала его всемирно известным художником. Бёрдслей повлиял на формирование изобразительного

языка стиля модерн — движение английских декадентов и «ар нуво» ориентировалось на его творчество.
В апреле 1894 года Бёрдслей стал художественным редактором журнала «The Yellow Book». Здесь в большом количестве появлялись его рисунки, эссе, стихи. Но через год из-за скандала, связанного с арестом Оскара Уайльда журнал был закрыт и Бёрдслей на какое-то время остался без средств к существованию. Одно время он работал художественным редактором журнала «Савой», перебивался случайными заработками, пока новый знакомый Леонард Смитерс не убедил Бёрдслея проиллюстрировать Ювенала и Аристофана.
С 1894 по 1896 год (в это время к нему приходит невиданный успех после публикации 16 иллюстраций к уайльдовской «Саломее») его самочувствие резко ухудшается — и тогда создаются мрачные рисунки к «Падению Дома Ашеров» Эдгара По (1895). Сначала Обри думает о том, как бы выздороветь, потом — как почувствовать себя немного лучше, и, наконец, — прожить ещё хоть один месяц.
31 марта 1897 года Бёрдсли был принят в лоно католической церкви. За последний год жизни он создал цикл иллюстраций к комедии нравов «Вольпоне» Бена Джонсона, которые ознаменовали собой начало нового стиля.
Уже прикованный к постели, он в письме заклинал своего друга-издателя Леонарда Смитерса «уничтожить все экземпляры „Лисистраты“ и неприличных рисунков и гравировальные доски к ним». Смитерс проигнорировал просьбу Бердслея и продолжал продавать как репродукции, так и подделки работ Бёрдслея. 16 марта 1898 года в полном сознании, в присутствии матери и сестры, которым он поручил передать последние приветы многочисленным друзьям, Обри Винсент Бёрдсли скончался в возрасте двадцати пяти лет.

которому равного нет, Ты, кому безразличен вполне Мир земных потрясений и бед. Но

любовь, что была внушена Чудным даром, чей свет не потух, — Ты расслышишь. И тронет она Твой свободный и царственный дух.

(Алджернон Суинберн, в посвящение Бердсли)

ювелира, с детства выбрал художественную карьеру. Он получил академическое образование

в Вене и достаточно долго писал в соответствии с его канонами. За оформление венского театра и музея Климт в возрасте 26 лет получил императорскую награду.
Особенности творчества художника Густава Климта: первые заметные произведения мастера были скорее оформительскими. При этом любимой его темой на протяжении всего творческого пути оставалась обнаженная женская натура. Климту удавалось изобразить каждую женщину откровенно сексуальной и чувственной, но при этом избежать пошлости и вульгарности. В конце 90-х годов XIX века в его творчестве начинается так называемый «золотой» период. Произведения этого периода, написанные с использованием настоящего сусального золота, стали самыми знаменитыми и дорогими работами мастера.
Можно с уверенностью сказать, что Густав Климт прожил счастливую жизнь. Он с детства занимался любимым делом и пережил стремительный взлет популярности еще до того, как ему исполнилось 20. Он никогда не нуждался в деньгах, что позволяло ему быть разборчивым в выборе заказов. Наконец, художника всегда окружали восторженные поклонники, любимые женщины и боготворившие его молодые коллеги. Наверняка этот баловень судьбы не удивился бы, узнав, что его картины сейчас считаются признанными шедеврами и продаются за астрономические суммы.

Густав Климт (1862 - 1918)

впервые демонстрировались в рамках XIV выставки «Объединения художников Венского сецессиона», проходившей

в 1902 г. «Бетховенский фриз» считается одним из выдающихся произведений венского югендстиля.
Климт воплотил в своей фреске художественное изображение Девятой симфонии Бетховена. Работа была создана в 1902 году специально к Бетховенской выставке.
Фриз занимал три стены и был длиною около 34 метров.
Левая композиция «Тоска по счастью», изображала золотого рыцаря, идущего на борьбу с силами зла, его провожали две женские фигуры символизирующие Победу (Славу) с венком победителя и Сострадание.
Центральная композиция «Враждебные силы» представляет собой силы зла. Состоит из нескольких деталей: центральная огромная фигура Тифона, слева от него три горгоны, символизирующие болезнь, безумие и смерть, справа женские фигуры символизирующие сладострастие, несдержанность и похоть, в стороне от них находится одинокая фигура женщины, символизирующая Гложущую тоску всего человечества.
Композиция на правой стене «Искусства, Хор ангелов Рая» также состоит из нескольких деталей: фигур, символизирующих Радость и прекрасные Божьи Искры.