Презентация Microsoft PowerPoint

история берет свое начало на рубеже XIX и XX веков,

когда после триумфального шествия по многим европейским странам промышленной революции были созданы все необходимые условия для зарождения и развития новой сферы художественного формообразования массовых индустриальных изделий. Пионерами дизайна стали архитекторы и художники, пришедшие в индустриальное производство, не побоявшиеся заняться новым и незнакомым для себя делом, еще не сформировавшимся, но привлекательным своей необычностью и новизной. Многие исследователи считают, что наша цивилизация за последние сто лет проделала путь, соизмеримый в своих открытиях и научно-технических достижениях со всей остальной историей человечества.

часто произносим на автомате, не задумываясь. Но так как дело

это молодое, то единого общепринятого представления о дизайне не существует. Заметим на полях, что и появился этот вид деятельности в столетие, когда все стало принято подвергать сомнению, а главным научным законом явилась теория относительности.

возможностями, а эти возможности, к сожалению, часто не оправдывают ожиданий.

Оформители и бутафоры украшают свои вещи, но дизайнер - существо высшее, он обязан мыслить масштабно и разнопланово, он обязана представлять как поведёт себя его будущее творение в своей среде обитания.

профессионалы о этапах развития и становления дизайна, одно несомненно -

дизайн необходим в нашей будничной жизни. И особенно сегодня, когда индивидуальное взяло верх над общественным, а частная жизнь человека стала признанной ценностью.

под названием эпоха Возрождения, или Ренессанс. Этот период знаменит подъемом

европейской культуры, развитием науки, появлением новых стилей в искусстве и архитектуре. Очень популярна была античная литература, так как она больше остальных имела в себе отражение человеческой мудрости.
Эпоху Возрождения разделяют на несколько периодов:
1. Раннее Возрождение
2. Высокое Возрождение
3. Позднее Возрождение

развития искусства. В Италии он был замечен еще в XIII

в., но ясно проявился лишь к началу XV в. Для Италии было характерно следовать классическому стилю античности. Для других же стран Европы характерным являлся готический стиль.

культуру середины XV в. оказало падение Рима (1527) и

развернувшаяся на европейских землях Контрреформация. Из-за Контрреформационных движений в Италии появляется культурный кризис.

разных социально-культурных течений. Среди них главную роль играют, пожалуй, два.

У дизайна есть и остается во многом ведущей, компонента НТР-овская, с соответствующим комплексом идей-ценностей, фокусирующихся, стягивающихся к идее техноэкономической прогрессивности или эффективности. Так или иначе, но всегда и всюду эти идеи в конце концов сводят все к реализации формул научно-технического прогресса. И дизайн тут - на службе этого прогресса, что, как известно, отнюдь не всегда означает: дизайн на службе человечества, природы, культуры.

а в составе научно-технического отдела Высшего совета народного хозяйства была

создана художественно-производственная комиссия, куда наряду с художниками входили руководящие и инженерно-технические работники производства. Вскоре был поставлен вопрос и о подготовке специальных художников с техническим уклоном.

были В. Татлин, А. Родченко, Л. Попова. Уже в первые

послереволюционные годы В. Татлин, А. Родченко, Л. Попова, а также Л. Лисицкий, братья Веснины и многие другие художники и архитекторы пытались заложить основы новой, социалистической эстетической культуры. Эти люди, воспитанные в условиях старой России, борясь за новое, должны были, прежде всего, преодолевать свои унаследованные от старого мира предрассудки. Это было нелегко, их борьба была подвигом. Прогрессивным в их деятельности было стремление создавать нечто новое, предугадывать и плодотворно мечтать о том, что должно и может быть.

умерла, когда мальчику было четыре года. Вскоре отец женился вновь,

и семья переехала в Харьков. Владимир Татлин с детства хорошо рисовал и, поступив в реальное училище, начал изучать основы рисунка и живописи.

-------
Владимир Татлин был мастером художественного эксперимента. Он восхищался творчеством Пабло Пикассо, создавал авангардные работы в разных стилях и искал необычные ходы для оформления спектаклей. В 1920 году художник сконструировал памятник Третьему интернационалу — знаменитую башню Татлина. И хоть проект не был реализован, башня стала визитной карточкой архитектуры эпохи конструктивизма.

в дизайнера. Он разрабатывал одежду, создавал образцы новой посуды и

конструировал мебель. Его модель пальто даже была одобрена для производства трестом «Ленинград одежда». Параллельно Татлин преподавал в учебных заведениях Москвы, Петрограда, Киева и Харькова.

«Не к старому, не к новому, а к нужному! — призывал он. — Вещь должна быть прочной, полезной и красивой». Этим же принципам следовали и мастера эпохи Возрождения. И словно в ответ изобретателю того времени Леонардо да Винчи, в 1929 году Владимир Татлин начал работу над новым проектом — летательным аппаратом.

года. Татлинская конструкция-птица была выполнена из гнутого дерева, тканевых бинтов,

алюминия и кожи. У нее был 10-метровый размах крыльев. Аппарат должны были опробовать под Звенигородом, но пробный полет так и не состоялся: при транспортировке птице повредили крыло. Месяц спустя сломанный татлинский аппарат подвесили под потолком.

бригаду художников, делавших наглядные пособия для Московского государственного университета. Также

в это время он писал натюрморты и пейзажи, иллюстрировал книги и оформлял спектакли для московских театров.
Владимир Татлин умер у себя в мастерской 31 мая 1953 года. Художника кремировали и похоронили в колумбарии Новодевичьего кладбища.

Санкт-Петербурге.

того, чтобы сын начинал карьеру в искусстве. Он хотел, чтобы

Александр имел «нормальную» профессию. Следуя пожеланиям отца, Родченко получил профильное образование и несколько лет даже проработал по специальности – протезистом. Но, решив прекратить практику, в 20 лет поступил в Казанскую художественную школу, после ее окончания пошел учиться дальше – в Строгановское училище.

Он больше не художник-созидатель, он — художник-конструктор. Создавая новые плакаты, Родченко штудирует советские и иностранные фото¬графические журналы, вырезая оттуда все, что может пригодиться, тесно общается с фотографами, которые помогают ему в съемке уникальных сюже¬тов, и в конце концов в 1924 году покупает собственную камеру. И моменталь¬но становится одним из главных фотографов в стране.

времени он был не только состоявшимся художником, но и педагогом

— преподавал в Московском Художественно-техническом институте. Сначала Родченко снимал лишь для того, чтобы собрать новые материалы для коллажей, однако позже его новаторские работы стали очень популярны. Родченко использовал необычные ракурсы, благодаря чему его работы приобретали особую динамику и реалистичность. Наиболее эффектно для тех лет выглядели снимки с диагональной композицией, когда съемка велась сверху вниз или снизу вверх. Такие методы противоречили строгим канонам фотоискусства того времени. Но приемы Александра Родченко быстро стали популярны у его коллег, а многие из них используются в профессиональной фотосъемке по сей день.

и жанрами. Он практически не снимал и не рисовал, лишь

оформлял книги вместе с женой.
После Великой Отечественной войны художник увлекся пикториализмом. Это направление фотографии делало снимки похожими на живописные работы. Фотохудожники достигали подобного эффекта за счет особых настроек света и выдержки. В этот период Александр Родченко интересовался цирком и театром и в стиле пикториализма часто снимал артистов.
Художник умер 3 декабря 1956 года. Он немного не дожил до открытия своей первой фотовыставки, которую организовала его жена. Сегодня имя Родченко носит Московская школа фотографии и мультимедиа, в которой преподает его внук, Александр Лаврентьев.

Можайска, в купеческой семье. Прадед со стороны её отца был

мельником, отец Сергей Максимович Попов владел текстильными фабриками и был богат. Семья матери, Любови Васильевны, урожденной Зубовой, принадлежала к образованной части купечества и внесла весомый вклад в историю русской культуры.

и совершила ряд путешествий с семьей по Италии и по

историческим русским городам. Накопленные впечатления от итальянского искусства и увиденных тогда в Киеве росписей Врубеля, древнерусской иконописи и настенной живописи в Ярославле, Ростове, Владимире по-настоящему проявились позднее, в зрелый период ее творчества.

Попова сделала всего около двадцати эскизов одежды и все они стали определенной программой для дальнейшего плодотворного развития моделирования костюма.
Трудно представить, в какой еще области успела бы проявиться яркая личность художницы, если бы творчество и жизнь художницы ни оборвались на высокой ноте. Любови Поповой было 35 лет, когда в мае 1924 года она скончалась от скарлатины.

х 124,3см.

свои внутренние жанры, области. Отдельно пишется история моды и костюма,

отдельно - история графического дизайна и рекламы, история интерьера и выставочного дизайна, история посуды и мебели, ткани и бытовых приборов. Однако во всех этих областях, несмотря на узкую специализацию и свои проблемы, есть нечто, что их объединяет, а именно проектный подход, проектная культура, визуальная культура, функциональные, технологические и художественные проблемы.
В истории дизайна чаще обращаются к конкретным личностям, поскольку проектная культура развивается благодаря авторским творческим концепциям. До сих пор жива традиция, заложенная Певзнером, представлять историю как движение к модернизму, показывая в художественной эволюции дизайна роль тех или иных концепций формообразования, идущих от искусства.

творческие технологии и приемы выразительности.
История дизайна как вида проектно-художественной деятельности

разворачивается во взаимодействии с научно-технической и визуальной, художественной культурой, поэтому она обязательно отражает влияние новаций и изобретений в технике, инженерном и художественном творчестве. Дизайн - это одновременно и продукт культуры, инструмент культурного строительства, и фактор, активно формирующий культуру.