Возрождение в Венеции

Город, расположенный на 118 островах, разделен 160 каналами, через которые

переброшено около 400 мостов.

Большинство зданий здесь построено на сваях, дома тесно прижимаются друг к другу.

суда,
Как будто ждут, чтоб ветр попутной
Расшевелил их паруса!
Глядит задумчиво и

смутно
Дворцов маститая краса!

На их стенах столетий почерк,
Но нет их прелестям цены,
Когда рисуется их очерк
Под белым заревом луны.
Резец твердыням этим мрачным
Дал мягкость, выпуклость и грань,
И словно кружевом прозрачным
Сквозит их каменная ткань.

Как все таинственно, как странно
В сем царстве дивной красоты:
На все ложится постоянно
Тень поэтической мечты...
П. А. Вяземский. «Фотография Венеции»

Сансовино (1486— 1570), ученика Браманте, было завершено формирование города. Он

выстроил здесь здание новой библиотеки Сан-Марко. Двухэтажное сооружение с ажурным фасадом было оформлено античными ордерными аркадами. В первом этаже за галереей находились торговые помещения, а во втором — собственно библиотека.

и внутри.

придает зданию особую нарядность и праздничность.

совершенство в построении античных ордеров, естественная завершенность и строгая упорядоченность

композиций, ясность и целесообразность планировки, связь архитектурных сооружений с окружающей природой.

решённых в форме античного храма. Зданию присуща идеальная симметрия, основанная

на тщательно просчитанных математических пропорциях. У виллы четыре тождественных фасада с ионическими портиками, к которым ведёт по балюстраде со статуями античных богов.

Фасад виллы.

Винченцо Скамоцци, который отвечал за достройку и отделку виллы после смерти Палладио, увенчал её куполом-ротондой наподобие римского Пантеона. Из круглого отверстия сверху купола, по замыслу создателей, солнечный свет должен был изливаться в круглую гостиную в центре здания.

Её стены покрыты искусными фресками-обманками. Все прочие комнаты спроектированы таким образом, чтобы в них в течение дня тоже равномерно заглядывало солнце.

В отличие от многих памятников архитектуры Возрождения, которые негласно противопоставляют себя окружающему ландшафту, вилла идеально вписана в него. От парадных ворот к ней ведёт широкая аллея для экипажей. Палладио и Скамоцци достигли в этом своём произведении гармонии с природой, неведомой европейскому зодчеству со времён античности.

главы города-Дожа. Но и городской и судебный залы, тюрьма. А

также гигантская Зала дель Маджорио Консильо - резиденция выбранных народных представителей венецианского парламента.
Ажурный орнамент в виде решётки производит впечатление восточного, но открытие фасада посредством аркад уже имело в Венеции долгую традицию, достигшую расцвета в строительстве дворцов поздней готики.

Нижний этаж открывается портиком, над ним украшенная аркадой лоджия, третий ярус венчает узорчатый карниз.

Декор дворца готический - стрельчатые арки, заостренные силуэты окон, зубчатый карниз.

одна из самых старых построек Венеции. Он был сооружён по

приказу Мариино Контарини, прокурора собора Сан Марко.
Название его возникло потому, что первоначально орнамент и скульптурные украшения были позалочены.
Впечатление ещё более усиливалось тем, что сияющий синими и красными цветами дом отражался в водах канала.

считается Джованни Беллини (ок. 1430—1516), стиль которого отличают утонченное благородство

и сияющий колорит.
Он создал множество картин с изображением мадонн, простых и серьезных, немного задумчивых и всегда печальных.
Ему принадлежит ряд портретов современников — именитых граждан Венеции, мечтавших видеть себя запечатленными на полотнах великого мастера.

правительства Венецианской Республики. Сосредоточенный и спокойный, дож изображен с мельчайшими

подробностями — от глубоких морщин на старческом лице до богатой парчи одежды. Тонкие черты лица, плотно сжатые губы выдают замкнутость его натуры. Холодные тона парадного облачения четко выступают на лазоревом фоне. Художник мастерски сумел воплотить черты человека, вошедшего в историю как гонитель науки и просвещения.

Джованни Беллини.
Портрет дожа Леонардо Лоредано. 1501г
Национальная галерея, Лондон

изысканная вышивка приглушены суровым выражением худощавого лица. Беллини отказался от

профильной позы, преобладавшей в портретной живописи раннего Ренессанса: он создал погрудное изображение анфас, которое напоминает скульптурный портретный бюст.

Венеция, как обычно, отставала от флорентийской моды, которая в то время уже ввела портреты, показывающие половину человеческой фигуры, включая руки. Примером тому может служить созданная почти в этот же период "Мона Лиза".

Такое решение придает портрету спокойную расслабленность и лишает его излишней официальности, что, конечно, вряд ли было бы уместно в портрете дожа – позднем шедевре Беллини; наглухо застегнутая одежда подчеркивает железную самодисциплину этого человека, облеченного властью.

В дальнейшем Беллини напишет множество мадонн, очень простых, серьезных,

не печальных и не улыбающихся, но всегда погруженных в ровную и важную задумчивость.

Среди всех Мадонн, написанных Джованни Беллини до 1460 года
лучшей, без сомнения, является так называемая
"Греческая мадонна".

Это отдаленно напоминающее икону изображение скорбно задумчивой Марии, нежно обнявшей печального младенца.
.

Сдержанно строгие в своей выразительности цветовые соотношения.Лицо Марии живое и выразительное.Не отвлеченный спиритуализм, а поэтически одухотворенное, глубокое человеческое чувство выражено в этой такой простой и скромной на вид композиции

да Мессина, посетившего Венецию, Джованни Беллини вводит в свои работы

насыщенные светом и воздухом цветные тени.

Оплакивание Христа.

шестью святыми» для алтаря венецианской церкви Сан-Джоббе (Св. Иова), которая

сразу стала одним из наиболее известных его произведений.

Этот францисканский храм заказал алтарный образ в знак благодарности св. Иову и св. Себастьяну за избавление Венеции от эпидемии чумы, и в качестве прославления Богородицы — защитницы Венеции, а также для утверждения францисканских ценностей над доминиканскими взглядами на Непорочное зачатие.

Доминика, Себастьяна и Людовика Тулузского.

Беллини вписал этот алтарный образ

в архитектуру храма таким образом, что он создавал полную иллюзию продолжения храмового пространства.

Колорит картины обыгрывает отблески полукруглой ниши апсиды, этому же способствует и мягкая моделировка форм, словно бы окутанная лёгкой дымкой.

1500). По одной из версий сюжет ее взят из французской

поэмы XIV века «Паломничество души».

предстоят святые. Среди них можно различить Павла с мечом, прогоняющего

человека в тюрбане, Петра, опершегося на балюстраду и сторожащего вход на площадку, Себастьяна со стрелой в груди и Иова, молитвенно сложившего руки.

Но композиция «святого собеседования», всегда бывшая, когда Беллини или другие художники обращались к этому сюжету" центральной, здесь развернута к зрителю боком и становится одним из представленных мотивов.

Другой - играющие под деревом младенцы. В их группе выделяется тот, кто держит в руках яблоко, символизирующее человеческие грехи. Этот ребенок может быть Христом, пришедшим в мир искупить грехи, а младенцы вокруг него - душами, попавшими в чистилище, за которые молятся святые.

Река - скорее всего Лета, отделяющая этот мир от мира живых, который виден на среднем и дальнем планах. Там молится в пещере анахорет, неподалеку бродит кентавр, олицетворяющий соблазны, а еще дальше живут своей обычной жизнью люди.

(около 1505). Эта картина является своего рода сводом канонов живописи

Беллини и вершиной поразительного единства поэзии и метафорического языка религиозных значений, которого Джованни достиг благодаря широте культуры и эмоциональному богатству своей личности.

с Младенцем на полотнах вертикального формата. Кроме того, не характерна

для Беллини и поза Богоматери, сидящей на земле. Чаще всего художник писал Мадонну либо по пояс, либо на троне. Поза спящего Младенца Христа предвосхищает ту позу, в которой будет лежать на коленях Матери Его мертвое, снятое с креста тело.

Пространство картины наполнено символическими деталями, вселяющими в душу зрителя грусть и тревогу. Слева от Мадонны на заднем плане изображена болотная птица, она охотится на змей. Вероятно, это олицетворение борьбы Добра со Злом.
Самый пейзаж кажется окутанным печальной дымкой. При этом он светел, пронизан солнечными лучами.

Беллини изображает холодный, но солнечный день, какие случаются в самом начале весны, когда едва-едва сходит снег... Мягкий свет заливает дома и башни города, но каменистая земля на переднем плане находится в тени и дышит холодом. Благодаря выбранному освещению художник получает возможность изобразить фигуры так, что они кажутся высеченными из мрамора античными статуями.

на троне, Святыми Петром, Екатериной, Лючией и Иеронимом» из церкви

Сан-Дзаккариа в Венеции, датированной 1505 годом.

Она создана совместно с братом Джентиле.

и св. Магдалины, объединённых молчанием и священными мыслями.
Хотя Беллини

уже было около 75 лет, но он сохранил не только работоспособность, но и способность к творческому обновлению.

которая носит название "Фасты".

Поэма повествует о том,

что Бог плодородия Приап попытался соблазнить нимфу Лотос, пока та спала, однако осёл Силен вдруг неожиданно заорал и помешал планам Приапа.

На картине художник изобразил сразу целый сонм Богов: Юпитер с орлом, Посейдон с Кибелой и Церерой, Гермес на бочке, Вакх с венком.

на котором есть дата, 1515 г. и подпись Беллини.

Художник

изобразил старого прелата в виде святого Доминика в черном монашеском одеянии на фоне затканной цветами занавеси.

Скупой колорит картины только подчёркивает её психологическую выразительность.

творческий опыт. Среди них особо выделялись два художника — Джорджоне

и Тициан.

Жизнь Джорджоне (1476/1477—1510), окутана тайной, была короткой и яркой. В мастерстве он соперничал с самим Леонардо. По свидетельству Вазари,

«природа наделила его талантом столь легким и счастливым, его колорит в масле и фреске был то живым и ярким, то иногда мягким и ровным и настолько растушеванным в переходах от свет; к тени, что многие из тогдашних мастеров признавали в нем художника, рожденного для того, чтобы вдохнуть жизнь в фигуры...»

раскрыть красоту духовную в красоте физической и загадочностью образов.

Жанры:

Античная тематика наряду с библейской.

Особенности живописи:

· Колорит и цветовые отношения выходят на первый план.

· Колорит достаточно теплый, сдержанный, без резких цветов.

· Возвышенность отстраненность и таинственность образов.

· Стремление к классическому идеалу.

· Важная роль пейзажа.

· Композиции классичны , уравновешенны.

· Контура нет. Рисунок делал прямо красками по холсту.

· Идейно - преобладание добра над злом ( в картинах нет места злу).

библейские и евангельские темы. К числу его первых работ принадлежат

две небольшие парные композиции "Испытание младенца Моисея огнем" (ок. 1500—1502) и "Суд Соломона" (1500—1505, обе — Флоренция, Галерея Уффици). Действие таких сцен часто разворачивается на фоне тихих идиллических пейзажей, композиция построена на ритмических повторах плавных, спокойных линий и очертаний.

Суд Соломона

Испытание младенца Моисея огнем

плавная дуга, объединяющая Марию, Иосифа и склоняющихся перед Младенцем пастухов

повторяется в очертаниях арки грота.

галерея искусства, Вашингтон; «Мадонна со св. Франциском и Либералием», собор

в Кастельфранко; «Юдифь»), проявляется главная особенность искусства Джорджоне — поэтическое представление о богатстве таящихся в мире и человеке жизненных сил, присутствие которых раскрывается не в действии, а в состоянии всеобщей молчаливой одухотворённости.

«Мадонна Кастельфранко» — это самая большая по размеру (200 х 152 см) и единственная работа Джорджоне, написанная им для церкви.

схеме, принятой для этой темы рядом мастеров североитальянского Возрождения.
Мария

восседает на высоком постаменте; справа и слева от нее предстоят перед зрителем святой Франциск и местный святой города Кастельфранко Либерале.
Каждая фигура, занимая определенное место в строго построенной и монументальной, ясно читаемой композиции, все же замкнута в себе. Картина этого периода творчества венецианского художника Джорджоне иконографически традиционна, но выделяется пространственной свободой своих пейзажных просторов. Композиция в целом носит несколько торжественно неподвижный характер. И вместе с тем непринужденное расположение фигур в просторной композиции, мягкая одухотворенность их тихих движений, поэтичность образа самой Девы Марии создают в картине ту атмосферу несколько загадочной задумчивой мечтательности, которая так характерна для искусства зрелого Джорджоне, избегающего воплощения резких драматических коллизий.

но это лишь внешнее сходство. Вместо традиционной алтарной ниши перед

нами четко обозначенное, но неопределенное пространство: залитая дневным светом вымощенная плитками площадка, отделенная высоким темно-красным парапетом от расстилающейся на заднем плане, окутанной легкой дымкой пейзажной панорамы с гладью озера, деревьями и кустарником, лугами и небольшим замком на холме. Очень высокий трон Мадонны вознесен к небу, его спинка уходит за верхний край картины, а Мадонна, чуть склонив прекрасное, промоделированное легкой дымкой светотени лицо, задумчиво смотрит вниз, где у подножия трона стоит саркофаг с гербом рода Костанцо; туда же смотрит и притихший Младенец, лежащий на ее коленях. Внизу у саркофага к нам обращаются стоящие здесь, как верные стражи, прекрасный рыцарь в вороненых латах — Святой Либерале, покровитель Кастельфранко, и монах Святой Франциск. Лицо рыцаря задумчиво и печально, монах обращается к нам с патетическим жестом скорби. Картина, призванная напоминать о юноше, безвременно покинувшем прекрасный, расстилающийся на заднем плане мир, проникнута тишиной и очень сдержанно выраженной печалью.

В "Мадонне Кастельфранко" впервые во всей полноте раскрывается поэтический склад творческой натуры Джорджоне, присущее этому мастеру тонкое музыкальное чувство ритмического единства, гармонического согласия красок. Стилистически эта картина с ее немногословием, безупречным композиционным равновесием, мягкой и обобщенной моделировкой форм уже принадлежит Высокому Возрождению.

1505—1506, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

Об этом свидетельствует и легкая дымка,

моделирующая лицо Юдифи, и плавность очертаний ее фигуры, и рисунок складок одеяния, и невысокая стена, отделяющая первый план от далекой пейзажной панорамы с серебристо-голубой гладью озера.

К сожалению, написанная Джорджоне композиция позднее, видимо, при переводе с дерева на холст была уменьшена в ширину примерно на треть; в первоначальном виде фигура героини Джорджоне была более гармонично вписана в пейзажную панораму.

Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво.

к земле, а в cми- ренной позе нет и намека

на жестокость и насилия. Напротив, она воспринимается как олицетворена высшей справедливости и милосердия.
Неужели художник забыл о библейском сюжете? Единственное, что напоминает о нем, — это жуткий трофей, который Юдифь осторожно попирает ногой! Нам трудно поверить, что эта женщина могла совершить столь жестокое убийство. Юдифь не наслаждается одержанной победой, а прикрыла глаза и слушает, слегка улыбаясь уголками губ. В этом одухотворенном образе есть все: нежность и достоинство, кротость и сожаление, внутренняя сила и обаяние.
Настроение картины усиливает лирический пeйзаж. Нежный воздушный фон, едва розовеющее утреннее небо, мощный ствол дерева, срезанного краем рамы, тщательно прорисованная растительность призваны создать элегичное настроение и привлечь внимание к психологическому аспекту библейской легенды.

Джорджоне. Юдифь. 1502 г.

мост, много зелени и деревьев, руины здания. Погода неспокойна. Растрёпанные

кроны деревьев указывают нам на разбушевавшейся ветер, а небо на дальнем плане пронзила яркая, короткая молния.

взаимосвязь между ними. С правой стороны полотна размещена почти нагая

женщина. Она кормит грудью младенца в довольно вычурной позе. С левой стороны мы замечаем мужчину. То ли это солдат, то ли пастух, высказывались мнения, что это холостяк или даже цыган. Он не обращает внимания на женщину.

Несмотря на интригующих героев, пейзаж доминирует над персонажами – природа здесь на первом месте. Джорджоне удалось уловить тончайшую атмосферу природы перед грозой, когда обостряются краски, и дневной свет имеет особенный характер.

«Гроза» (ок. 1507).

Интерпретации сюжета этой картины посвящена обширная литература. Однако

просвечивание картины рентгеном показало, что на подмалевке картины вместо пастуха была изображена вторая женщина, сидевшая на берегу, опустив ноги в воду. Это позволяет предположить, что персонажей не объединяет какая-то сюжетная линия.

Молодой пастух и полуобнаженная женщина, кормящая грудью ребенка, разделенные узким ручьем с обрывистыми берегами, предстают здесь как дети Природы, олицетворяющие род человеческий. Такой же частью ее, как деревья, вода, облачное небо предстают и руины, на фоне которых предстает пастух, и деревянный мост, и дома, башни, украшенный куполом храм маленького городка, удивительно напоминающего город Кастельфранко.

не совсем точно, так как пейзажные панорамы с небольшими человеческими

фигурами писали в это время и нидерландские, и немецкие мастера.
Но «Гроза» — первое произведение европейской живописи, тональность которого определяет состояние природы, ее жизнь. Предгрозовое затишье, о котором напоминает зеркальная гладь воды, спокойствие пастуха и молодой матери, на наших глазах нарушается вспышкой молнии, прорезающей сизо-синие, набухшие влагой тучи, высвечивающей башни маленького городка, деревянный настил моста; написанные мелким, открытым мазком листья и травы как бы трепещут от порыва ветра.
Джорджоне отказывается от традиционной для итальянской живописи этого времени эмалевой сплавленности красочной поверхности; колеблемые ветром листья и травы, блики на воде и поверхности моста, шероховатая поверхность стен старых домов, сам зигзаг молнии обозначены у него мелким открытым мазком, нанесенным тонкой кистью, создающим ощущение охватившего природу беспокойства.
С поразительной тонкостью передает Джорджоне и померкшие краски охваченной грозой природы, и холодный мертвенный свет отблесков молнии на стенах башен.

Вена, Музей истории искусства). Некоторые исследователи отождествляют ее персонажей с

тремя волхвами, наблюдающими Вифлеемскую звезду, ссылаясь на то, что старший философ держит в руках астрологическую таблицу, а младший, в руках которого применявшиеся при астрономических наблюдениях циркуль и угольник, с легкой улыбкой всматривается в темноту грота (возможно, Вифлеемской пещеры)

— средневекового аристотелизма, восточного аверроизма и ренессансного неоплатонизма.

Иногда философов

Джорджоне отождествляют с персонажами античной литературы. Скорее всего, обо всех этих тонкостях современных интерпретаций не помышляли ни сам Джорджоне, ни его молодой заказчик. Персонажи картины — и старец с астрологической таблицей (астрология тогда отнюдь не считалась лженаукой), и предпочитающий размышление восточный философ, и юноша с угломерными инструментами в руках равно представляли величайшую из наук — философию.

Персонажи Джорджоне предстают перед нами на скалистой, поднимающейся несколькими ступенями площадке в тихий предвечерний час, а возможно, и ранним утром — бледно-голубое, покрытое легкими лиловыми облачками небо у горизонта окрашено в красноватые тона заката (или рассвета); легкий туман окутывает простирающуюся внизу зеленую долину и очертания синеющих на горизонте гор. Природа и человек предстают в этой картине Джорджоне в идеальном гармоническом равновесии. Оно подчеркнуто самой композицией картины — группа философов, предстающих на фоне темных стволов больших деревьев, идеально уравновешена темной массой скалы с окутанными тенью очертаниями грота.

самых совершенных женских образов эпохи Возрождения. Посреди холмистого луга на

темно-красном покрывале лежит античная богиня любви и красоты Венера.

этому образу придает картина природы. За спиной Венеры, на горизонте,

— просторное небо с белыми облаками, невысокая гряда голубых гор, пологая тропа, ведущая на поросший растительностью холм.
Отвесная скала, причудливый профиль холма, вторящий очертаниям фигуры богини, группа кажущихся необитаемыми строений, травы и цветы на лугу тщательно выполнены художником.

Под впечатлением от «Спящей Венеры» Джорджоне художники разных поколений — Тициан и Дюрер, Пуссен и Веласкес, Рембрандт и Рубенс, Гоген и Мане — создали свои произведения на этот сюжет.

— все совершенство красоты! Я отдаю первое место живописи, знаменосцем

которой является Тициан».
Тициан прожил долгую (почти век!) жизнь (1477—1576) и завоевал всемирную славу наравне с другими титанами Высокого Возрождения. Его современниками были Колумб и Коперник, Шекспир и Джордано Бруно.
В девять лет он был отдан в мастерскую мозаичиста, учился в Венеции у Беллини, позднее стал помощником Джорджоне. Обширно творческое наследие художника, обладавшего кипучим темпераментом и удивительным трудолюбием. Работая в самых различных жанрах, он сумел выразить дух и настроение своей эпохи.

90-летнем возрасте. Мы видим высокого старика с крупными мужественными чертами

лица. Он чуть ссутулился под тяжестью темной складчатой одежды. Узкая полоска воротника врезается, как луч, в пышную серебристую бороду. Черная шапочка подчеркивает напряженность его крепкого профиля. Пальцы правой руки нежно сжимают хрупкую кисть.

Несомненно, перед нами деятельная, творческая натура, полная жажды жизни. Художник подался вперед, как будто вглядываясь в лицо собеседника. Величав и спокоен проницательный взгляд человека, умудренного жизненным опытом. Черное одеяние богато и изысканно, оно гармонично сочетается с серебристой гаммой общего колорита. О мастерстве колорита Тициана написано великое множество исследований.

Тициан. Автопортрет. 67—1568 гг. Прадо, Мадрид
«В колорите он не имеет себе равных... он идет в ногу с самой природой. В его картинах цвет соперничает и играет с тенями, как это происходит в самой природе» (Л. Дольче).

праздничный колорит, в котором преобладают красно-коричневые оттенки ( цвета земли).

2. Полнокровные, чувственные земные образы, часто вполне конкретные.

3. Загадочность и космичность уходят из картин Тициана. Реальность, конкретность, почти будничность окружающего мира наполняют его живопись.

4. Большая материальность форм.

5. Композиции становятся более динамичными.

6. Более активной и динамичной становится и красочная поверхность, фактура живописи.

7. Тициан серьезно продвинул развитие реалистического портрета (индивидуальность приходит на смену личности).

8. В позднем творчестве Тициана много драматизма и экспрессии.

что Тициан, в отличие от Джорджоне, под влиянием которого он,

безусловно, находился, «раскрыл глаза Венере и мы увидели влажный взор влюбленной женщины, обещающей большое счастье». Действительно, он воспел сияющую красоту женщины, написав ее в интерьере богатого венецианского дома. На заднем плане две служанки заняты домашними делами: они вынимают из большого сундука туалеты для своей госпожи. В ногах Венеры, свернувшись комочком, дремлет маленькая собачка. Все обыденно, просто и естественно и вместе с тем возвышенно-символично .

смотрит она прямо на зрителя, ничуть не смущаясь своей ослепительной

красоты. На ее теле почти нет теней, а смятая простыня лишь подчеркивает грациозную стройность и теплоту ее упругого тела. Красная ткань под простыней, красная занавеска, красная одежда одной из служанок, ковры такого же цвета создают горячий и трепетный колорит.
Картина полна символики. Венера — богиня супружеской любви, об этом говорят многие детали. Ваза с миртом на окне символизирует постоянство, роза в руке у Венеры — знак долгой любви, а свернувшаяся у ее ног собачка — традиционный символ верности.

грешница, которая некогда омыла слезами ноги Христа и была им

великодушно прощена. С тех пор до самой смерти Иисуса Мария Магдалина не покидала его. Она же поведала людям о его чудесном Воскресении. Отложив в сторону книгу Священного Писания, она истово молится, устремляя взоры к небу. Ее заплаканное лицо, волны густых распущенных волос, выразительный жест прижатой к груди красивой руки, простые одежды написаны художником с особой тщательностью и мастерством. Рядом изображены стеклянный кувшин и череп — символическое напоминание о быстротечности земной жизни и смерти. Мрачное грозовое небо, скалистые горы и раскачивающиеся от ветра деревья подчеркивают драматизм происходящего.

Тициан.
Кающаяся Мария Магдалина. Около 1565 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Преобладающие строгие, темные тона призваны усилить ощущение тревоги и напряжения.

Выхваченные светом руки и лицо позволяют более внимательно приглядеться к портретируемому.

Несомненно, перед нами одухотворенная личность, которой присущи интеллект, благородстви в то же время — горечь сомнений и разочарований.

В глазах юноши тревожное раздумье о жизни, душевное смятение человека смелого и решительного. Напряженный взгляд «в себя» свидетельствует о трагическом разладе души, о мучительных поисках своего «я».

царю, что внук лишит его престола. Акрисий заключил дочь в

медную башню, куда никто из смертных не мог проникнуть. Но Зевс, пленившись, проник к ней золотым дождем. После родился будущий герой - Персей. Встреча Данаи и Зевса происходит на фоне заката, мягкие красочные тона как бы растворяются друг в друге. Фигура обнаженной женщины подобна скульптурам Микеланджело «Аврора» и «Ночь» из капеллы Медичи, но колорит картины остается истинно тициановским: краски словно мерцают от пронизывающего света, подчеркивая накал чувств героев.

«Даная» представила художнику возможность создать женский образ, не просто залитый светом, а будто состоящий из него. Сотканная из золотых лучей фигура стала открытием в живописи. Тонкий и плавный переход от светописи к тени, отказ от разделяющих линий положили начало новому творческому периоду 1550-х. «Даная» превратила Тициана из талантливого живописца в гения своей эпохи.

к лику святых, становится одним из излюбленных в итальянском искусстве.

В Венеции также существовал его культ.

Поэтому не случайно все знаменитые венецианские художники, начиная с учителя Тициана – Джованни Беллини и заканчивая Веронезе и Тинторетто, не раз обращались к образу святого.

На протяжении долгой жизни Тициана также привлекала эта тема.

и спокойствие, несмотря на все мучения. Как неизбежное он принимает

надвигающуюся смерть и с достоинством встречает ее. Неровным, беспокойным светом освещена его фигура и страдальческое лицо, обращенное к небу.

Окружающее пространство помогает полнее выявить трагизм происходящего. От горящего костра вздымаются языки пламени, бросая отблески на обнаженное тело святого. У его ног клубится дым, медленно поднимающийся вверх. Темное, облачное небо сливается с землей. Зловещие отсветы падают на пустынную местность, как бы охваченную заревом пожара.

Кажется, что с гибелью героя наступает момент трагического крушения мира. Но не безнадежность и отчаяние выражает произведение Тициана, а веру в величие человека и неукротимость его духа.

Себастьян – это не фанатик, изнуренный длительными постами и молитвами, а прекрасный юноша, мужественно противостоящий злу.

Роскошные, масштабные, красочные, яркие, часто многолюдные композиции.
2. Активность

и насыщенность колорита.
3. Пластически ясная проработка форм.
4. Театральность, приподнятость и мажорность настроения.

К 25-ти годам Веронезе встал на ноги и занялся монументальной живописью. Он был мастером композиции и непревзойденным колористом. Известность к начинающему художнику пришла в 1553 году.
Его пригласили поработать над украшением Дворца дожей в Венеции. А после росписи плафонов в библиотеке Сан Марко определилась его судьба – с того момента и до конца своих дней Веронезе работал в жанре монументально-декоративной росписи.
Деятельность Веронезе в Венеции произвела необычайный фурор, он расписывал фрески, храмы, церкви, писал портреты. Практически весь период его творчества прошел именно в Венеции.

совершенное Христом на брачном пире в Кане Галилейской, где он

превратил воду в вино.

выделяла портреты известных правителей эпохи Возрождения, таких как Карл V,

Франциск I, Сулейман Великолепный, Мария I, а также гуманиста Даниэле Барбаро. В образе музыкантов на первом плане Веронезе запечатлел знаменитых венецианских живописцев — Тициана, Тинторетто, Бассано и самого себя в белых одеждах.

и живописными деталями.

Воссоздавая атмосферу отнюдь не библейского, а современного

ему венецианского пира, художник помещает среди пирующих и реальных персонажей.

Так, дама в голубом, что сидит слева, опершись локтем о стол, - Виктория Колонна. Ее муж, маркиз Альфонсо д 'Альваро, изображен во главе стола в костюме жениха. Невеста и склонившийся к ней мужчина - супруга французского короля Франциска I и сам монарх соответственно.

характеров, а в сочетании непосредственной жизненности и гармонической облагороженности образов

счастливо празднующих праздник жизни людей.

Полон радостного кипения и колорит картины: свежий, звонкий, с яркими вспышками красного, от розово-сиреневого до винных, огненных и сочных темных тонов.

Смесь святого и светского – такова великая революция живописи Возрождения. Веронезе это удалось, как никому другому. Венецианские чиновники, князья, аристократы, гости в тюрбанах, служители окружают священные фигуры. Религиозные символы, вроде ягненка, почти тонут среди серебряной посуды и роскошных ювелирных изделий.

красотой он затмевал даже богов олимпийцев. Когда Адонис погиб на

охоте, Зевс пожалел убитую горем Венеру и повелел Аиду на время отпустить красавца из царства умерших. С тех пор Адонис вынужден был вести двойную жизнь.

Влюбленные герои представляют собой смысловой центр картины, а собаки, одна из которых дремлет у ног богини, и играющий с другой Амур наполняют изображение умиротворением.

Полотно выполнено в теплой гамме. Густые цвета вечернего неба, зелени листвы и яркое красное одеяние Адониса контрастируют с кремовой белизной обнаженного тела Венеры. В мощном звучании насыщенных красок раскрывается зрелый талант живописца.

живописи:

1. Размах и динамика композиций, имеющих центробежную

направленность. (Мир в смятении)
2. Обобщенность форм.
3. Эмоциональная насыщенность, экспрессивность.
4. Много свободного пространства в композициях. (Пустота - тоже герой картины)

от земной женщины. Для этого он погрузил в глубокий сон

свою жену, богиню Геру, и приложил младенца к её груди, чтобы тот смог напиться божественного молока, дарующего бессмертие. Геракл, уже тогда отличавшийся невероятной силой, стал сосать молоко так энергично, что причинил Гере боль.
Богиня оттолкнула младенца, капли молока пролились на небо и превратились в звёзды, из которых сложился Млечный Путь.
Капли же молока, упавшие на землю, стали белоснежными лилиями.

Ангелочки («путти»), изображённые в нижней части картины, держат в руках стрелы, зажжённый факел и другие символы страсти.
Сеть в руках написанного справа ангелочка, вероятно, символизирует обман, к которому прибег Зевс, чтобы обессмертить своего сына. Рядом с Зевсом парит орёл — величественная птица, традиционно сопровождающая богов и королей. В когтях орла зажата молния (привычный атрибут бога-громовержца).
Справа на картине размещена пара павлинов, традиционно сопровождавших богиню неба и покровительницу брака Геру. Живописцы часто изображали павлинов впряжёнными в её небесную повозку