ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО В ЕВРОПЕ и в РОССИИ 14-19 вв

В МОСКВЕ
РАЗВИТИЕ ЮВЕЛИРНОГО ДЕЛА В ПЕТЕРБУРГЕ
СТИЛИ ЮВЕЛИРНЫХ УКРАШЕНИЙ XIX в.
СПИСОК

ЛИТЕРАТУРЫ ИСТОЧНИКИ

XVIII-XIX веков, знать термины, ориентироваться в этапах развития ювелирного искусства,

получить представление о тенденциях и стилях рассматриваемого периода, рассмотреть некоторые аспекты развития высокого стиля в декоративно-прикладном искусстве, познакомиться с творчеством ювелиров-художников, некоторыми художественными изделиями эпохи, а также с основными элементами русского женского костюма.

Компетенции: учебно-познавательная: знать особенности развития ювелирного дела в России в 18 – в 19 веках, термины искусства, уметь различать некоторые аспекты в символике и атрибутике власти, а также атрибуты одежды и аксессуаров представителей коронованных особ;
информационная: уметь находить необходимую информацию в художественных и публицистических текстах.

были старинные русские города Великий Устюг, Вологда, Кострома, Нижний Новгород,

Новгород, Псков, Ярославль, Санкт-Петербург, Москва и многие другие.

Новгород
Новгород на протяжении многих веков занимал видное место в ювелирном искусстве древней Руси. Стиль новгородских мастеров считался лаконичным, сильным и выразительным. Его характеризовали точность и четкость рисунка, ясность форм и композиционных построений. Ювелирное дело было настолько широко поставлено, что там больше, чем в других городах была развита узкая специализация среди мастеров-ювелиров. В XVI-XVII вв. новгородские мастера владели всеми приемами ручной обработки драгоценных металлов и с большим мастерством украшали свои изделия ручным тиснением (басмой), чеканными и резными узорами и изображениями, литыми деталями, сканью, эмалью и чернью. Новгород стал родиной новой формы драгоценной посуды - золотого и серебряного ковша. Большой популярностью пользовались новгородские корчики (небольшие с ручкой и на подставке ковшики в виде лодочки) и чарки с пространными надписями на венцах.

Новгородские мастера считались первоклассными чеканщиками.

новгородским. Наибольшую известность получили мастера, работавшие в псковском Печерском монастыре.

И посадские (т.е. городские), и монастырские мастера наибольших высот достигли в резьбе по серебру. Лучшее из созданного ими - это массивные, глубокие церковные блюда и дискосы, на гладкую поверхность которых наносились сложные многофигурные композиции. 
Ярославль
 можно с полным правом считать одним из самых выдающихся центров серебряного дела на Руси XVII в. Памятники ярославского искусства отличаются особой декоративностью и богатством. Мастера в этом городе были первоклассными чеканщиками и тонкими резчиками по серебру. Они создавали не только предметы церковной утвари, но и разнообразные бытовые предметы, например, чайники, кофейники, сахарницы, блюда, соусницы, подносы и пр.

центр ювелирного искусства получила известность намного раньше, чем Петербург. Став

столицей самостоятельного княжества в XIII в., она уже в первой половине XIV в. начала строить собственную крепость, названную Кремлем, который к концу XV в. принял нынешний облик. Первое упоминание о кремлевских сокровищах относится к 1476-1478 гг., когда в Москву из завоеванного Новгорода было доставлено 300 возов жемчуга, золота, серебра и драгоценных камней. Спустя несколько лет на территории Кремля был построен Казенный двор для хранения государственной казны.

В пополнении казны большая заслуга принадлежит великому князю Ивану III (1440-1505), который, располагая значительными денежными средствами, скупал ювелирные изделия московских мастеров, а также в странах Запада и Востока. К концу XV в. на службе у князя состояла целая армия искусных мастеров, которые чеканили изображения высокого рельефа, применяли эмаль, чернь, использовали резьбу, литье, басму и скань.

до конца XVII века.

Терлик — вид кафтана восточного происхождения, приталенного,

с короткими рукавами, который был своего рода униформой придворных служителей в допетровский период.

Летник — широкое длинное женское платье с широкими рукавами, богато украшенными вышивкой.

Кокошник — «головной убор замужних женщин из шелка, атласа, бархата, парчи, позумента, кумача на твердой основе из проклеенного или простеганного холста, картона. Предназначался для больших праздников» (Соснина, Шангина 1998).

венцы, крест, скипетр, держава, бармы или диадема - специальное оплечье,

украшенное запонами и изображениями святых, саадак - набор, состоящий из налуча и колчана и другие предметы, которые одевали во время различных торжественных церемоний, приема иностранных послов, поставления патриархов и др. 

Из русских царских венцов до начала XVII века сохранились лишь две - шапка Мономаха и шапка Казанская. Примечательно, что и та, и другая являются образцами татарской культуры и попали к русским царям от татарских ханов. Попутно отметим, что и другие царские регалии, вплоть до XVIII в., были созданы иноземными мастерами, работавшими в Кремлевских мастерских или же были непосредственно иностранного производства. 

Шапку Казанскую считают изготовленной в Москве в честь покорения Казанского ханства, не исключая и возможности ее изготовления казанскими ювелирами, якобы вывезенным Иваном Грозным в Москву.

О том, что шапка была создана золотоордынскими ювелирами, имеется ряд неоспоримых свидетельств. Во-первых, характер орнаментации и технологии сканого декора шапки. Шапка создана в технике накладной скани и зернения. Причем, зернь, в одних случаях, применяется в абрисах мотива лотоса, который украшает четыре пластины поверх сканой проволоки. Из них центральная - с красным рубином в круглой оправе и с четырьмя жемчугами; по сторонам ее две пластины с зеленым изумрудом в прямоугольной оправе в композиции с тремя жемчугами; четвертая пластина - с мотивом лотоса расположена на противоположной стороне от центральной. Композиция декора выделяет главную лицевую часть шапки.

14 в., с собольей опушкой, украшенный драгоценными камнями и крестом,

регалия русских великих князей и царей, символ самодержавия в России. В конце 15 - начале 16 вв. получила известность легенда о византийском происхождении шапки Мономаха, якобы присланной императором Константином Мономахом великому князю киевскому Владимиру Мономаху. Эта легенда была использована при создании политической теории "Москва - третий Рим".

Москва

до XVIII века трон назывался Царским престолом, или Царским местом.

Царский престол устанавливался в передних комнатах дворца, или приёмных палатах. С XVI века в России царские места украшаются с особой пышностью, в подражание Византии.
В 1551 году Иван Грозный в Успенском соборе устроил царское место. Это место располагалось под шатровой сенью. Узорчатая кровля (сень) стояла на четырёх столбах. Столбы сени стояли на фигурах четырёх животных: лев (лютый, скимент), уена (зверя окрутное, без оберненья шеи) и два других назывались оскроганами. Это царское место называлось Престолом.
Царские места устанавливали в передних, или красных углах палат. Троны украшали золотом, серебром, драгоценными камнями, золотыми тканями.

сохранился до наших дней с большими утратами. Сейчас на нем

отсутствуют многие золотые пластины с драгоценными камнями на ножках кресла, и утеряно подножие

мастера, получившие заказ от армянской торговой кампании.

Это изделие украшают

800 дорогих алмазов.
 Его преподнесли в подарок Армянские купцы, торговавшие с Персией. Всю поверхность этого трона покрывала сложная мозаика из бирюзы и алмазов, которых общей сложностью было около девятисот. Сам трон был выполнен из сандалового дерева, облицованного золотыми и серебряными пластинами, на которых прочеканен причудливый растительный орнамент.  Низ трона окаймляла резная полоса с крупным узором, на которой была изображена процессия слонов с восседающими на них погонщиками. На спинке же в картуше с жемчужной обнизью шитая надпись: «Могущественнейшему и непобедимейшему Московии императору Алексею на земле благополучно царствующему сей трон, великая искусством сделанный да будет предзнаменованием грядущего в небесах вечного блаженства. Лета Христова 1659»

XVI век (создание Палат и мастерских)

В первой половине XVI в. в Кремле

открылись различные мастерские, в том числе Оружейная, Золотая и Серебряная палаты. В Оружейной палате вначале делали только доспехи и оружие, но затем в ее составе появились ювелиры и иконописцы. Туда были приглашены мастера из разных городов Русского государства, а также Германии, Польши и Богемии.

В 16 веке, когда Москва стала общерусским центром, стали популярны чернь и эмаль, в 17 веке — эмаль (И. Попов), чеканка (Г. Овдокимов), резьба по металлу (В. Андреев, А. Трухменский) чернь (М. Агеев, П. Иванов). В 17 веке получили развитие и многочисленные школы древнерусского ювелирного искусства: усольская (мастерские Строгановых), ярославская.

искусство золотых и серебряных дел мастеров Древней Руси XVI-XVII исков.
Наиболее

ярко черты «русского узорочья» проявились в золотых серьгах московских злато кузнецов, украшенных сканью с многоцветными эмалями, камнями и жемчужными подвесками. Красочные, нарядные, с четко выверенными симметричными формами, эти серьги олицетворяют представления о красоте, характерные для того времени, и являются образцом художественного совершенства.
Мастера золотого и серебряного дела XVI-XVII веков продолжили художественные традиции своих предшественников и, аккумулируя в своем творчестве опыт искусных ювелиров Византии, а нередко и заимствуя некоторые технические приемы и мотивы искусства Востока и Запада, они вместе с тем привнесли в ювелирное дело свой особый идеал красоты и создали яркий самобытный стиль русского искусства.
Широкое распространение получили в XVI-XVII веках серьги, носившие название «одинцы», «двойчатки» и «тройчатки», которые пользовались успехом у женщин самых разных сословий. Их различие состояло лишь в количестве проволочных стерженьков - главном конструктивном элементе украшения, - крепившихся к массивной проволочной мочке и унизанных камнями, жемчугом, кораллами и цветными стеклами либо серебряными цилиндриками, усыпанными зернью.
Многие типы серег, бытовавших в то время на Руси, являются чисто русским изобретением и в таком варианте не встречаются у других народов. К их числу можно отнести новгородские серьги-«голубцы», форма которых напоминает стилизованные фигурки двух птиц, обращенных друг к другу либо клювиками, либо спинками. В соответствии со вкусами той эпохи поверхность серег была украшена затейливыми завитками из сканных жгутиков, драгоценными камнями, жемчугом, перламутром или цветными стеклами. Необычайное своеобразие отличает и серьги из Сольвычегодска и Великого Устюга, декорированные расписной эмалью и жемчугом, уникальным даром рек Русского Севера.

Петербург)
В первой половине XVIII в. в Москве наблюдается некоторый упадок

золотого и серебряного дела, и главный российский центр ювелирного искусства надолго перемещается в Петербург. Туда же переводятся лучшие ювелиры из Москвы. Город стал испытывать финансовые трудности, но тем не менее, ювелирное дело в Москве не заглохло. Именно московские эмальеры внедрили новый технологический прием, ранее не применявшийся в русском ювелирном деле, - многоцветную, прозрачную «оконную» эмаль, которая подобно витражу прозрачна на просвет. Еще более заметным был прогресс в технике литья и чеканки.

Русское ювелирное искусство 18 века, центром которого стал Петербург, начало развиваться в русле общеевропейских художественных стилей. Однако сохранялись и национальные русские особенности. В 18 веке появляется великоустюжское чернение по серебру.

года в Петергофе была создана первая в России гранильная фабрика.

В 1726 году в Екатеринбурге была построена шлифовальная фабрика, которая изготовляла ценные камнерезные изделия. В 1787 г был построен Колывано-Воскресенский шлифовальный завод, а несколько позже вблизи Екатеринбурга – мраморный завод. На этих заводах перерабатывались местные декоративные яшма и мрамор. 

В середине и во второй половине XVIII в. возросшая мода на миниатюрную живопись способствовала развитию технологии эмалирования. Живописные изображения на эмали помещали в самых разнообразных бытовых предметах: медальонах, кольцах, брошах, браслетах, на табакерках, коробочках, шкатулках и т.п.

века трон назывался Царским престолом, или Царским местом. Царский престол

устанавливался в передних комнатах дворца, или приёмных палатах. С XVI века в России царские места украшаются с особой пышностью, в подражание Византии.

В 1551 году Иван Грозный в Успенском соборе устроил царское место. Это место располагалось под шатровой сенью. Узорчатая кровля (сень) стояла на четырёх столбах. Столбы сени стояли на фигурах четырёх животных: лев (лютый, скимент), уена (зверя окрутное, без оберненья шеи) и два других назывались оскроганами. Это царское место называлось Престолом.

Царские места устанавливали в передних, или красных углах палат. Троны украшали золотом, серебром, драгоценными камнями, золотыми тканями.

В 1673 году в Коломенском дворце часовой мастер Оружейной палаты Пётр Высотцкий построил у царского места рыкающих львов. Львы рычали, вращали глазами и открывали пасть. Туловища львов медные, обтянутые бараньими кожами. Механика львов располагалась в особом чулане.

Императорский трон. Эрмитаж..

с бриллиантами: серьги, пряжки для башмаков и поясов, пуговицы, запонки,

браслеты, банты, букеты цветов, табакерки, гребни и т.д. Нередко бриллианты использовались в сочетании с цветными камнями.

В конце ХVII-начале XVIII вв. был утвержден ряд орденских знаков, представлявших собой великолепные образцы ювелирного искусства. К ним относятся ордена Св. Андрея Первозванного, нагрудные портреты Петра I, ордена Св. Александра Невского, Св. Георгия, Св. Владимира. В XVIII столетии в Российской империи был введен иностранный по происхождению орден Св. Анны, вручаемый за особые заслуги перед государством. Один из первых орденских знаков Св. Анны был сделан из золота и серебра и декорирован эмалью. Его украшали 4 великолепных изумруда и 130 бриллиантов. При этом каждый орденский знак был неповторим, отличаясь также бриллиантов.

В высшей степени ювелирное искусство петербургских мастеров проявилось при создании царских регалий. В 1730 г. была изготовлена корона императрицы Анны Иоановны, в которой установили 2536 бриллиантов и более 20 крупных драгоценных камней.

В 1762 г. выдающимся петербургским мастером Иеремией Позье для коронации Екатерины II была создана Большая императорская корона.

Во второй половине XVIII века блестящего расцвета в России, как и во всей Европе, достигло искусство эмалевой миниатюры. Портреты на эмали помещали в кольца и броши, окружая их пояском из бриллиантов или мелкого жемчуга.

ювелирном искусстве России господствовало «русское узорочье», Европа вступила в эпоху

барокко.
Барокко родилось в конце XVI века в Италии, но прошло немногим более половины столетия, и стихия этого яркого, роскошного стиля охватила Францию, а за ней и большинство стран Европы.

ТЕРМИН «БАРОККО»
 «жаргонное словечко «бароко» использовалось португальскими моряками для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы, а в середине XVI века оно появилось в разговорном итальянском языке как синоним всего грубого, неуклюжего, фальшивого». 

СТИЛЬ РОСКОШИ
В ювелирном искусстве наиболее яркое развитие стиль барокко получил в работах французских мастеров, поставщиков двора Людовика XIV. Правление Короля-Солнца (1643-1715) стало апогеем абсолютной власти, и для оформления этой власти требовалась достойная оправа. 
 В орнаментике барокко преобладали тяжелые гирлянды цветов и плодов, раковины и волюты, мотивы аканта, прихотливых бантов, картушей, двойного завитка в ниде буквы «С».

Наиболее характерны для «стиля роскоши», как порою называют искусство этого времени, усыпанные камнями ажурные броши-склаважи - их прикрепляли к шейной ленте или акцентировали ими глубокие декольте.

РОКОКО
Название «рококо» (rococo) происходит от мотива «рокайль» (французское -rocaille), главного элемента орнамента этого стиля, строящегося на основе завитка раковины. 

форм;
• Симметричность композиционных решений;
• Сложные прихотливые силуэты;
• Необычайное богатство декора и колорита, за

счет использования ярких цветных драгоценных камней и жемчуга.


Характерные черты стиля рококо:
• Изящество форм; • Динамичные прихотливые силуэты; • Усложненность асимметричных композиций; • Использование в украшениях бриллиантов; • Применения серебра для ажурных оправ; • Появление новых видов ювелирных украшений: портбукетов, колье. • Создание папюр – гарнитуры украшений, главная принадлежность – колье.

позже, уже в XVIII веке, после реформ Петра I с

их ориентацией на западную культуру. 
Со временем пышные, тяжеловесные формы и симметричные композиции барокко сменились на игривую легкость причудливых асимметричных форм и легкие нежные краски нового стиля - рококо.
Это совпало с повсеместным распространением бриллиантовой огранки алмазов, изобретенной, по мнению некоторых исследователей, в конце XVII века венецианцем Винченцо Перуцци.
В Россию стиль рококо пришел в правление императрицы Елизаветы Петровны (1741-1761).   
Под влиянием господствовавшей в то время «пасторальной моды» дамы любили украшать свои платья цветами - живыми и искусственными, но особое предпочтение они отдавали красочным букетам, выполненный из драгоценных камней и бриллиантов. Ведь не случайно XVIII столетие называют «веком цветка и алмаза». 

а затем и в других странах Европы новые веяния оформились

в единый  законченный стиль - на смену рококо пришло искусство классицизма. Идеалом красоты и предметом для подражания стало древнегреческое искусство с его простыми и совершенными формами.
Век классицизма был недолог - всего несколько десятилетий.

ОСОБЕННОСТИ СТИЛЯ
Орнаментика классицизма полностью подражала античной. В ней царствовали греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие мотивы античного декора, при этом в расположении орнаментальных композиций соблюдались симметрия и определенный порядок.  

Характерные черты стиля классицизм: • Ориентация на искусство Древней Греции; • Целостность и гармония форм; • Ясность и уравновешенность конструктивных построений; • Симметричность композиционных решений; • Преимущественно неяркий колорит; • Сдержанность декора; • Увлечение античными геммами, особенно камеями; • Возрождение искусства ажурной филиграни.

и в том числе в России, возродилась техника ажурной филиграни,

которую использовали при создании украшений, предназначавшихся не только для дворян, но и для более широкого круга лиц. Из филигранных нитей составляли ожерелья, плели сетки для волос, соединяли ими отдельные детали браслетов и колье. 

В первой половине XIX в. завершился период русского классицизма, в котором нашли отражение идеалы красоты и образы античной классики. Вычурные, часто неправильной формы утварь и украшения XVIII в. сменились строгими и четкими формами, приближающимися к правильным геометрическим фигурам: прямоугольнику, кругу, овалу, шару или цилиндру. Чрезмерно насыщенная и причудливая орнаментация уступает место обычному блеску ровной, гладкой полированной поверхности с отдельными украшениями, выполненными механической штамповкой и, в редких случаях, чеканкой.

 Ампир - стиль в искусстве и архитектуре, появившийся в начале XIX века во Франции, во время правления Наполеона I Бонапарта.
  Цитируя римскую классику, Ампир вобрал в себя характерный его особенности, соединив в себе черты Древней Греции и Рима, добавив к ним древнеегипетские мотивы. Стиль интерьера аристократии, не выходящий из моды и по сей день, блещет своей роскошью и богатством. 

Успехи камнерезного дела способствовали быстрому развитию такого направления, как скульптура малых форм, когда стали создаваться фигурки людей, животных, птиц и цветов, а также объемные жанровые сценки.

в соответствии с художественными принципами классицизма, что нашло отражение в

целостности и гармонии их форм, ясности и строгой симметрии композиционных построений, сдержанности декора.
Ампир (от французского empire - империя), стиль империи Наполеона Бонапарта, сформировался в период его триумфа и победоносных сражений. 
Эталоном для подражания во Франции и почти одновременно в других странах Европы стало не столько сдержанно-прекрасное искусство Греции, сколько величественные, монументальные формы Древнего Рима начала нашей эры.
Выразителем идеалов ампира в ювелирных украшениях стал придворный ювелир Бонапарта Этьен Нито, родоначальник существующей и сегодня известной парижской фирмы «Шоме». Парюры, выполненные французским ювелиром для императрицы Марии-Луизы, поражали яркой помпезностью, великолепием камней и совершенством работы.
Среди драгоценностей тех лет особенно эффектны были диадемы. 
Торжество ампира было непродолжительным, практически оно закончилось вместе с падением империи Наполеона. После 1815 года в общественной жизни Европы появились новые идеалы и новые настроения, которые стали основой для развития в искусстве и литературе мощного художественного направления - романтизма.
После наполеоновских войн волна романтических настроений прокатилась по всей Европе, и на этом фоне сформировался первый из неостилей XIX века - неоготика. 

Время возникновения и периоды расцвета тех или других неостилей в разных странах Европы порою не совпадали, так же как и названия неостилей. К примеру, во Франции неорококо 1830-1840-х годов именуют «стилем Луи-Филиппа», а в Англии -«ранним викторианским стилем» и т.д. В России для обозначения искусства середины и второй половины XIX века было введено общее понятие - историзм, поскольку определяющие его стили сориентированы на исторические прототипы и интерпретацию искусства прошлого.

лбом средней частью.
Своеобразным продолжением эволюции диадемы в эпоху историзма

стало появление в русском оффициальном придворном женском костюме, принятом в середине XIX века, головного убора в стиле стилизованного кокошника.
Своеобразный колорит привнесло в европейский женский костюм и увлечение Востоком, когда дамы начали дополнять свои бальные туалеты тюрбаном или чалмой; они делались из узорчатого шелка, кисеи или муслина, были перевиты нитями жемчуга, украшены аграфами и султанами из перьев.
 Высоко оценивались «русские камни» - уральские александриты и изумруды.
Распространение в середине века стиля неоренессанс, основоположником которого считается друг Виктора Гюго, известный парижский ювелир Франсуа-Дезире Фроман-Мёрис, способствовало популярности украшений с объемными деталями в виде сфинксов на концах браслетов, миниатюрных фигурок-статуй на булавках для пик туков и других изделий с рельефными деталями, типа тех, что изготавливали ювелиры в XV-XVI веках, и ферроньерок - налобных украшений, подобных тем, которые носили итальянки во времена Леонардо да Винчи, а также привело к широкому использованию эмалей.
Неогреческий стиль, сформировавшийся в конце 1860-х годов, привнес в ювелир-нос искусство мотивы и орнаментику греческих и этрусских украшений. Камеи, мозаики, гравированный меандр, акант, пальметты - все эти и другие приметы античного искусства, а затем и стиля классицизм, вновь появились в кольцах, ожерельях, браслетах, брошах. Золотые колье и серьги приобрели подвески в виде античных амфор. Узоры из мелкой зерни, заимствованные из искусства этруссков, украсили браслеты и медальоны. Античные корни имеет и мотив змеи, который стал необычайно популярен к середине' пека. Золотые змеи, декорированные камнями, жемчугом или эмалью, а иногда и силе генные из волоса, обвивали руки дам, шею, талию.

M-me de Stael. 1812. 

– это скромные бандо и только на портрете Левицкого (1780-е

гг.) голову монархини украшает бриллиантовая диадема с панделоками – прообраз целого ряда подобных украшений в стиле классицизма, созданных уже в 19в.
Если при Петре I из придворного женского костюма исчезли национальные мотивы, то во времена Екатерины II они снова вернулись. В частности и в стилизованных головных уборах – кокошниках (портреты императрицы кисти Торелли, Эриксена).

В русском костюме известен головной убор – очелье – и работа Болина отдаленно напоминает его. Сегодня эта диадема находится в собственности И.Маркос.
Ярким примером модных тенденций классицизма и популярной до сих пор среди аристократических дам мира является диадема-франж (фр. - бахрома) (распространенное название - Diadème (tiare) russe – фр. - русская диадема). Скорее всего, название «русская диадема» к данному типу украшений стали применять во времена Николая I.
Можно провести параллель между диадемой-франж и русским кокошником-сборником (в нем тканая часть присобиралась над линией лба и, подобно лучам, симметрично распределялалсь по всей поверхности).
Рисунок лучей также идеально повторяет бриллиантовые лучи орденских знаков – особенно звезд Ордена Св. Апостола Андрея Первозванного.

Алексеевны
Портрет Екатерины I, 1717.

парюр. Поэтому они особенно пышно украшались шлифованными и резными драгоценными

камнями, жемчугом, кораллами и мозаикой из полудрагоценных камней.

Характерные черты стиля ампир:
• Ориентация на искусство Древнего Рима; • Использование античных мотивов, в том числе в орнаментике. • Исключительная  популярность камей и инталий; • Возвращение моды на цветные драгоценные камни – рубины, сапфиры, изумруды, а также топазы и аметисты; • Многообразие видов в наборе модных украшений и создание папюр, центральное место в которых занимали диадемы.

поздний - как «неорусский».
В основе стиля лежало романтическое стремление возродить

исконно русскую культуру, которое в значительной мере определило развитие архитектуры, живописи, прикладного искусства, музыки того времени. В ювелирном деле обращение к историческим корням - к древнерусскому искусству XVII века - порою выливалось в стилизацию старинных форм и декора. 
В XIX веке «русский стиль» в большей степени отразился на развитии таких видов ювелирного искусства, как предметы православного культа, интерьерные декоративные композиции и предметы сервировки стола.
Эпоха историзма оставила в истории ювелирного искусства много замечательных имен. Это и уже упоминавшийся парижский ювелир и предприниматель Франсуа Дезире Фроман-Мёрис, и основатели существующих и поныне знаменитых французских ювелирных домов Луи Франсуа Картье и Фредерик Бушерон, и замечательный итальянский ювелир Пио Фортунато Кастеллани, раскрывший секреты тончайшей зерни и филиграни, которыми славились древние греки и этрусски, и целая плеяда российских ювелиров. Среди других выдающихся мастеров особенно яркий след в искусстве создания украшений оставили ювелиры семьи Болин, Леопольд Зефтиген и классик историзма в ювелирном творчестве, несравненный Карл Фаберже.
в конце 1880-х годов развитие искусства пошло по новому пути, который определялся новым художественным стилем - модерном.

(Art Nouveau - новое искусство); не менее многозначительны названия нового

стиля в Германии - «югендстиль» (от немецкого Jugend - молодость) и в России - «модерн» (в переводе с французского moderne - новейший, современный).
Новый стиль окончательно оформился к началу 90-х годов XIX века.

Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох - крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVT века. Однако в эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений.

Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев.
Привлекало умение японцев видеть и ценить красоту, казалось бы, самых простых материалов, их   утонченное мировосприятие, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей.

ОБРАЗНАЯ СИСТЕМА МОДЕРНА:
излюбленные мотивы японского искусства - изображения хризантем и орхидей, волн и скал, обитателей морских глубин и снежных вершин. Интерпретация всех этих мотивов органично вошла в образную систему модерна.

которых  характерны плавная текучесть асимметричных форм, прихотливая  изощренность композиционных построений,

гибкие, изысканные линии, почти мистический колорит с преобладанием зеленых, голубых, лиловых, красных тонов. • Практически каждое украшение – произведение искусства; • Новая образная система, включающая стилизованные флоральные и анималистические мотивы, изображения женских фигур и голов; • Мода на новые типы ювелирных украшений; • Широкая палитра цветных эмалей и камней; • Подбор камней в украшениях определяется не стоимостью, а декоративными качествами и цветом.